Vestits de pintura famosos, pels quals es pot jutjar quina era la moda de l’època

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

Des de temps immemorials, l’art i la moda s’han influït mútuament, obligant crítics i fashionistes a seguir de prop les noves tendències substituint-se precipitadament. I mentre alguns avaluaven la imatge en termes de característiques tècniques, d’altres van córrer cap als sastres per aconseguir aviat un vestit exactament igual que el de les heroïnes representades als llenços.

1. Renaixement

El Renaixement va ser una època de revifalla cultural i artística ja que el classicisme va fer un retorn revolucionari a les societats europees. No obstant això, aquest període també va experimentar canvis significatius en la moda. Vegeu com els vestits famosos de les pintures van influir en la moda durant el Renaixement.

"Retrat de la parella Arnolfini" de Jan van Eyck és un dels elements principals de l'estudi de la tela en la pintura retratista. La roba de llana de color verd maragda de la dona i les mànigues folrades d’ermini demostren la seva condició familiar, ja que només els rics podrien permetre’s aquest tipus de teixits. La llana, la seda, el vellut i la pell eren rars i més costosos de produir que el cotó o el lli i eren un símbol d’estatus i riquesa. Una de les qüestions més controvertides al voltant del quadre és si la dona representada (presumiblement l’esposa d’Arnolfini) està embarassada. Les faldilles renaixentistes eren tan exuberants i pesades que les dones les van aixecar per facilitar el desplaçament.

Els plecs curvats afegits del vestit també mostren una tendència cap a la representació de dones amb un ventre pronunciat, ja que insinuava concebre fills durant el matrimoni. Un altre exemple d’això és Les Très Riches Heures du Duc de Berry dels germans Limburg. En ambdues imatges, les dones són representades amb panxes més arrodonides. El Magnífic llibre d’hores del duc de Berry representa un casament, i és comparable al retrat d’Arnolfini, ja que ambdues dones projecten una imatge de maternitat en previsió de l’embaràs. Sense mirar la pintura des d’una perspectiva moderna, es pot veure com un registre del que portaven les dones i del que era important que les persones mostressin als altres.

2. Els períodes barroc i rococó

Els períodes barroc i rococó es caracteritzen per una exquisida decoració, decadència i joc. Aquestes tendències es van manifestar no només en l'art, sinó també en la moda a través d'ornaments intricats i vestits luxosos. Mireu alguns dels famosos vestits inspirats en l'art.

L’atenció al detall i al vestit d’un artista desconegut fa que Elizabeth Clark Frick (la senyora John Frick) i Little Mary siguin un disc important dels puritans de Nova Anglaterra. En aquest aspecte, Elizabeth porta excel·lents teixits i accessoris nord-americans dels anys 1600. El seu coll de punt blanc indica el popular punt europeu que es troba entre les dones aristocràtiques. Des de sota del vestit es veu una enagua de vellut brodat amb or i unes cintes adornen les mànigues. A més, una dona té joies: un collaret de perles, un anell d’or i una polsera de granat, que al seu torn parla d’estatus i prosperitat. Aquest quadre ofereix una perspectiva única sobre la vida puritana d'Elizabeth i la seva família.

També cal destacar el fet que l’artista va aconseguir barrejar magistralment imatges de riquesa en un entorn modest. El quadre mostra clarament la riquesa d’Elizabeth, destacant la seva millor roba i joies. També reflecteix la riquesa del seu marit, John Frick, que es podia permetre el luxe de complir tots els capricis de la seva dona comprant-li diversos tipus de vestits i joies. A més, la imatge simbolitza la seva actitud puritana d’agraïment a Déu, perquè sense la seva benedicció no podrien haver tingut aquest luxe.

El swing de Jean-Honore Fragonard és un exemple de l’estil rococó als cercles aristocràtics francesos. El quadre es va encarregar en privat quan un cortesà francès va demanar a l’artista que pintés el seu propi retrat i el de la seva amant. Tot i que la pintura es va mantenir a porta tancada, revela el luxe, la frivolitat i la naturalesa secreta de la cort reial francesa.

El vestit rosa pastel destaca entre el frondós jardí i és el centre d’atenció. Jean va pintar el vestit amb pinzellades soltes que imiten les faldilles amples i el cosset amb volants del seu vestit. El seu pinzell solt coincideix amb la trama d’aquesta idíl·lica escena de jardí plena d’imatges coquetes i capritxoses.

La seva pintura també mostra les tendències de moda de la cort francesa. El rococó va transcendir la moda, l'art i l'arquitectura per crear quelcom únicament francès. La moda rococó incloïa els teixits més luxosos, incloses sedes de color pastel, velluts, encaixos i estampats florals, a més d’una quantitat excessiva d’arcs, gemmes, volants i adorns ornamentals per crear un aspecte que els cortesans i els hostes s’acoblarien. tenen el cap. L’estil definia la diferència entre els pobres i els rics, ja que l’aristocràcia podia permetre’s el luxe d’exquisits teixits i ornaments. Per a les dones que porten aquests vestits d’inspiració rococó, la pintura és l’epítome de la cort reial francesa abans de la revolució.

3. Vestits famosos a les pintures del segle XIX

Al segle XIX es va produir un canvi artístic del neoclassicisme al primer modernisme, donant pas a estils i escoles de pensament. Aquest segle també va veure un canvi de moda. Seguiu llegint per veure com les pintures van influir en l'aparició de vestits i estils famosos que eren sensiblement més moderns que abans.

Art for Art es va associar amb la Symphony in White No. 1 de James Abbott McNeill Whistler, que pretenia donar a la pintura un significat espiritual. Els crítics, però, no van veure tot això, ja que el quadre representava la mestressa de l'artista, vestida amb un vestit blanc clar. Com a resultat, aquest retrat es va convertir en escandalós. Durant la dècada de 1800, la roba femenina sovint incloïa una enagua de crinolina feta d'acer. Les dones també portaven cotilles entre altres articles de roba interior per tal de poder crear faldilles més amples.

"La dona de blanc" és tot el contrari del que en aquella època hi havia de moda i de gran projecció. El vestit del personatge principal representat a la imatge era una mena de roba interior que un marit o un amant podien veure, ja que es creia que aquesta roba era molt fàcil de treure. Per a Whistler, la seva musa havia de formar part d’una escena que agradés a la vista. Va retratar Hiffernan mentre la veia i, per als espectadors de l’època, la imatge era alhora confusa i una mica indecent. No obstant això, amb l'arribada del 1900, aquest vestit es va convertir en la norma per a la roba diària.

James Tissot va crear moltes pintures que representaven la moda femenina a finals del 1800. Estava per davant de la moda europea i és molt conegut per pintar temes tenint en compte les últimes tendències de la moda. La moda femenina va començar a canviar entre les senyoretes de París i Londres a finals del 1800. Les faldilles amples i gruixudes dels seus predecessors victorians van ser substituïdes per unes més estretes amb plecs inflats a la part posterior.

En el quadre "La senyoreta Lloyd", l'heroïna es vesteix amb un vestit tal com es portava a la societat en aquell moment, destacant la cintura estreta i la figura del rellotge de sorra. "Retrat de Kathleen Newton" (la seva companya d'aleshores) és tot el contrari de la imatge de Miss Lloyd. L’artista va retratar una dona amb un vestit com si irradia llanguiment i seducció. Tot i això, ambdues dones tenen el seu propi encant i misteri. El vestit en si mateix simbolitza les diferències en la cultura popular de l’època. Una imatge és tradicional i convencional, mentre que l’altra és francament íntima i escandalosa per als espectadors del segle XIX.

John Singer Sargent va crear la imatge d’una dona que, tot i ser inacceptable per al seu temps, es va convertir en una de les seves pintures més reconegudes i venerades. Es tracta d’un retrat de Madame Virginie Gautreau, una bellesa nord-americana barrejada amb l’alta societat francesa. Això va provocar un escàndol tan gran que el mateix John va haver de marxar de París cap a Londres.

La seva cotilla està extremadament apuntada cap a la part inferior de l’abdomen. Un cinturó de coll en punta profund i profund i corretges de perles amb prou feines cobreixen les espatlles i exposen allò que es considerava parts íntimes d’una dona, inadequades per a la visualització pública. Després que Sargent presentés la pintura al Saló de París del 1884, va causar indignació per part de crítics i espectadors, perquè no convé que una dona casada de classe alta es trobi en una forma tan provocativa. Al públic del saló li va semblar que l’heroïna de la imatge portava roba interior i no un vestit. I la reputació de Gautreau als ulls de la gent va començar a baixar a zero, perquè molts la consideraven una persona obscena. Finalment, Sargent va eliminar el seu nom del retrat, canviant el nom de "Madame X".

4. Vestits famosos a les pintures del segle XX

L’art del segle XX es va centrar en l’abstracció i l’expressió, experimentant canvis significatius amb nous estils i temes. També va conduir a l’exploració de noves formes i síntesis de moda i art. Aquí es mostren els famosos vestits que apareixen a les pintures durant el segle XX.

El vestit daurat d’Adele Bloch-Bauer destaca de la resta de vestits de l’alta societat del seu temps. En lloc de retratar una dona de classe alta que es relaxa en un jardí o llegeix en un sofà, Klimt transforma Adele en una figura alienígena. El seu vestit és una figura remolí plena de triangles, ulls, rectangles i iconografia. No hi ha signes de cotilles de cordons rectes ni capes de roba. El modern conté temes de la natura i imatges mítiques. Això també s'aplica a la moda bohèmia, que el mateix Gustav portava i feia servir en diverses altres pintures.

Sovint pintava dibuixos creats per la dissenyadora de moda Emily Flege. No és tan coneguda al món de la moda com les seves contemporànies o predecessores, però va fer bé a la moda per a les dones del seu temps. De vegades va ser una col·laboració, ja que Gustav utilitzava els seus famosos vestits en moltes de les seves altres pintures.

Tamara Lempicka va crear retrats que exploraven la feminitat i la independència als anys vint. L’artista Art Deco es va fer coneguda pels seus retrats de celebritats que van explorar la forma estilitzada i pulida del cubisme que es va convertir en la seva marca comercial. Ira Perrault (una amiga íntima i probable amant de Lempicki) és vista com una manifestació literal de la música a La Musicienne. El que fa destacar la imatge és la seva representació d’un vestit blau. La dura tècnica de fosa d’ombres de Tamara amb la seva rica paleta de colors dóna moviment al vestit de manera que sembla flotar a l’aire. La vora curta del vestit i els plecs fluixos encara recorden la moda dels anys vint, que va suposar un punt d’inflexió en la moda femenina. Les dones portaven vestits que deixaven al descobert les cames i els braços i faldilles plisades que facilitaven la dansa.

Tamara va ser inspirada i estudiada per mestres del Renaixement i va utilitzar temes similars amb un enfocament modern. Tradicionalment, el blau es pot veure als vestits de la Mare de Déu en quadres medievals o renaixentistes. El blau ultramarí era rar i s’utilitzava per a pintures importants.

Frida Kahlo té teixits mexicans de colors i fets a mà. Va abraçar aquestes peces com a part del seu llegat i les va portar en nombrosos autoretrats i fotografies. Els famosos vestits de The Two Fridas simbolitzen els seus llaços amb els dos costats del seu llegat europeu i mexicà.

Frida a l’esquerra reflecteix la seva educació en una família de classe mitjana alta. El seu pare era originari d’Alemanya i la vida domèstica de petit contenia costums occidentals. L'encaix blanc del vestit simbolitza l'estil popular a la moda europea. Aquesta versió occidentalitzada contrasta amb el desig de la dreta Frida d’abraçar el seu patrimoni mexicà amb un vestit tradicional. Aquesta roba és una cosa que el seu marit Diego Rivera va animar, sobretot en la seva lluita per canviar de país. El vestit mostrava el seu orgull de portar roba local i tradicional de Mèxic.

La roba de Kahlo és un aspecte important de la seva vida i treball. Després que va contreure la poliomielitis quan era una nena i una cama es va fer més curta que l’altra, les faldilles de colors es van convertir en una manera d’amagar la cama de manera que la protegís de l’escrutini. L’armari de l’artista incloïa vestits de tehuana, bruses huipil, rebozo, tocats florals i joies antigues. Aquestes peces de roba per a Kahlo són una il·lustració del seu amor, dolor i patiment, que va incloure en el seu treball.

Sobre, com ha canviat el quimono al llarg dels segles i quin paper ha tingut en l'art i la moda moderna, llegiu l'article següent.