Taula de continguts:

Com les pintures d’artistes famosos van passar a formar part de la moda, donant forma a un nou estil del segle XX
Com les pintures d’artistes famosos van passar a formar part de la moda, donant forma a un nou estil del segle XX

Vídeo: Com les pintures d’artistes famosos van passar a formar part de la moda, donant forma a un nou estil del segle XX

Vídeo: Com les pintures d’artistes famosos van passar a formar part de la moda, donant forma a un nou estil del segle XX
Vídeo: Димаш - Новое интервью | Личная жизнь [субтитры] - YouTube 2024, Març
Anonim
Image
Image

Els vincles entre art i moda defineixen moments específics de la història. Ambdós mitjans reflecteixen canvis socials, econòmics i polítics des dels rugents anys vint fins als vibrants vuitanta. Aquí hi ha quatre exemples d’artistes i dissenyadors de moda que, a través del seu treball, van ajudar a donar forma a una nova perspectiva de l’art i la moda del segle XX.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Quatre retrats de Halston, Andy Warhol. / Foto: google.com
Quatre retrats de Halston, Andy Warhol. / Foto: google.com

L’amistat entre Roy Halston i Andy Warhol va definir el món artístic. Tant Roy com Andy van ser líders que van obrir el camí per convertir l’artista / dissenyador en una celebritat. Van eliminar l’estigma pretensiós del món de l’art i van portar moda i estil a les masses. Warhol va utilitzar la serigrafia diverses vegades per crear les imatges. Tot i que segur que no va inventar el procés, va revolucionar la idea de producció en massa.

Roy va utilitzar teles i estampats senzills i elegants, però glamurosos, amb l’ús de lluentons, ultres i seda. Va ser un dels primers a fer accessible i desitjable la moda nord-americana. Tots dos van deixar la seva última empremta en art i estil al llarg dels anys seixanta, setanta i vuitanta, que continua fins als nostres dies.

Tant Roy com Andy han treballat junts en molts projectes diferents. Warhol va crear campanyes publicitàries que presentaven la roba de Halston i fins i tot el mateix Halston. Al seu torn, Halston va utilitzar l'estampat floral Warhol en algunes de les seves col·leccions de roba, des de vestits de nit fins a conjunts d'oci.

D’esquerra a dreta: Flors, 1970. / Lisa, 1978. / Flors, 1970. (Totes les obres d’Andy Warhol). / Foto: wmonden.ro
D’esquerra a dreta: Flors, 1970. / Lisa, 1978. / Flors, 1970. (Totes les obres d’Andy Warhol). / Foto: wmonden.ro

Roy utilitzava patrons senzills a la seva roba, cosa que els va donar un gran èxit. Eren còmodes de portar, però també tenien un toc de luxe gràcies als teixits, colors i estampats. Warhol també va simplificar els seus materials i processos. Això va facilitar la reproducció del seu treball i els va fer més vendibles.

L’èxit comercial ha tingut els seus propis reptes per a tots dos artistes. Halston va ser el primer a associar-se a la cadena minorista JCPenney el 1982 i això ha afectat la qualitat de la seva marca. Warhol també va rebre crítiques, ja que la seva obra era percebuda com a superficial. Tot i això, tots dos han modernitzat el seu ús al detall i al màrqueting en els seus respectius espais per crear marques per a vendes massives.

D’esquerra a dreta: bata Halston, 1972. / Vesteix-te amb una capa, 1966. / Suit, 1974. / Foto: google.com
D’esquerra a dreta: bata Halston, 1972. / Vesteix-te amb una capa, 1966. / Suit, 1974. / Foto: google.com

Roy i Andy eren visitants freqüents a Studio 54. Van organitzar festes, van dissenyar i produir obres per a celebritats com Liza Minnelli, Bianca Jagger i Elizabeth Taylor. Tot això es reflecteix en el seu treball mentre inspiraven i definien l’època de la discoteca dels anys setanta.

D’esquerra a dreta: sabates de diamant, 1980. / Sabates de diamant amb vestit de dona, 1972. / Foto: pinterest.com
D’esquerra a dreta: sabates de diamant, 1980. / Sabates de diamant amb vestit de dona, 1972. / Foto: pinterest.com

Halston era conegut per crear roba de nit brillant. Roy va col·locar els lluentons horitzontalment sobre la tela, creant un efecte lluent del material que va utilitzar per crear vestits de luxe estimats per moltes dones glamoroses.

La sèrie de sabates de pols de diamant Warhol també il·lustra la vida nocturna de l’Estudi 54 i les celebritats que hi viuen. La pols de diamant és el que va utilitzar sobre plantilles o pintures, creant un element de profunditat addicional per a la peça. I les seves sabates eren originalment la idea de la campanya publicitària de Halston. En qualsevol cas, aquests dos van contribuir enormement a la moda i van deixar una empremta inesborrable. De fet, encara avui en dia, molts dissenyadors moderns s’inspiren en les idees d’Andy i Roy, creant magnífiques col·leccions amb ressò del passat.

2. Sonia Delaunay: quan l'art es converteix en moda

Sonia Delaunay amb dos amics a l’estudi de Robert Delaunay, 1924. / Foto: twitter.com
Sonia Delaunay amb dos amics a l’estudi de Robert Delaunay, 1924. / Foto: twitter.com

Sonia Delaunay no només va revolucionar una nova forma de cubisme, sinó que també va introduir la connexió entre art i moda. Tant Delaunay com el seu marit van ser pioners de l’orfisme i van experimentar amb diverses formes d’abstracció en l’art. Va ser la primera del seu tipus a utilitzar el seu propi estil artístic i traslladar-se al món de la moda amb els seus dissenys, estampats o estampats originals. És més recordada pel seu art i la seva connexió amb el seu marit que per la seva moda. El seu estil va tenir un paper important a la dècada de 1920, i el seu catàleg de roba es recorda més per fotografies i referències al seu art que per les pròpies peces. Per a Sonya, hi havia i no hi ha frontera entre art i moda. Per a ella, són el mateix.

D’esquerra a dreta: Tres vestits, Sonia Delaunay, 1925. / Tres vestits en un, 1913. / Foto: yandex.ua
D’esquerra a dreta: Tres vestits, Sonia Delaunay, 1925. / Tres vestits en un, 1913. / Foto: yandex.ua

Va començar el seu negoci de moda als anys vint, creant roba per a clients i dissenyant teixits per a fabricants. Sonya va anomenar la seva etiqueta Simultània i va anar encara més enllà amb l’ús de colors i estampats en diversos temes. La simultaneïtat va tenir un paper important en el seu treball, i la seva tècnica inusual recordava a un edredó de patchwork o tèxtils de l’Europa de l’Est: es van superposar els colors i es van utilitzar patrons per crear harmonia i ritme. Els seus temes més habituals inclouen quadrats / rectangles, triangles i línies diagonals o esferes, que es superposen en els seus diversos dissenys.

Obres de Sonia Delaunay. / Foto: ok.ru
Obres de Sonia Delaunay. / Foto: ok.ru

Delaunay era una dona jove durant l'era eduardiana, quan les cotilles i el conformisme eren la norma. Això va canviar a la dècada de 1920 quan les dones van començar a portar faldilles per sobre del genoll i roba fluixa i ajustada. Aquest aspecte es pot veure en els dissenys de Delaunay i li apassionava crear roba que s’ajustés a les necessitats de les dones. Sonya va desenvolupar roba de bany que permetia a les dones sentir-se més còmodes, fins i tot quan practicaven esports i nedaven. Va posar les seves estampes en abrics, sabates, barrets i fins i tot cotxes, fent servir qualsevol superfície com a tela. Els seus dissenys van crear llibertat de moviment i expressió a través del color i la forma.

D'esquerra a dreta: vestuari per a una pel·lícula de Rene Le Somptier, 1926. / Vestit de Cleopatra per a ballet rus, 1918. / Foto: facebook.com
D'esquerra a dreta: vestuari per a una pel·lícula de Rene Le Somptier, 1926. / Vestit de Cleopatra per a ballet rus, 1918. / Foto: facebook.com

Al llarg de la seva carrera, va provar constantment alguna cosa nova i, com a resultat, es va traslladar al cinema i al teatre. Sonia va dissenyar el vestuari de The Little Parisian de Rene Le Somptier, mentre que el seu marit feia el plató de la pel·lícula. Li agradaven les formes geomètriques, combinant-les i barrejant-les amb destresa, creant estrambòtics patrons i línies trencades que s’han convertit en el seu segell distintiu.

3. Col·laboració entre Elsa Schiaparelli i Salvador Dalí

El barret de sabata. / Foto: gr.pinterest.com
El barret de sabata. / Foto: gr.pinterest.com

L’avantguarda de l’art surrealista es combina amb el líder de la moda surrealista. Salvador Dalí i la dissenyadora de moda Elsa Schiaparelli s’han col·laborat i inspirat mútuament al llarg de la seva carrera. Van crear looks icònics com el vestit de llagosta, el barret de sabates i el vestit de llàgrima que van sorprendre i inspirar el públic tant en art com en moda. Dali i Schiaparelli van obrir el camí a la futura col·laboració entre dissenyadors de moda i artistes, reduint la distància entre allò que es considera art portable i moda. Dalí va utilitzar les llagostes com a tema recurrent en la seva obra i es va interessar per la seva anatomia.

Vesteix "Omar". / Foto: pluralartmag.com
Vesteix "Omar". / Foto: pluralartmag.com

Dress "Omar" és un treball conjunt d'Elsa i Dalí, i la seva creació va causar molta controvèrsia no només el dia del seu debut, sinó també després. En primer lloc, té un cosset pur i una faldilla d’organza blanca. El vestit insòlit va fer esclatar literalment el món de la moda, causant molta controvèrsia sobre aquesta partitura. L’ús de tela blanca també contrasta amb el color vermell de la llagosta. El blanc es pot considerar verge o simbolitzar la puresa en comparació amb el vermell, cosa que pot significar relaxació, potència o perill.

D’esquerra a dreta: Dona amb cap de flor, Salvador Dalí, 1935. / Dress Skeleton, Elsa Schiaparelli, 1938. / Foto: youtube.com
D’esquerra a dreta: Dona amb cap de flor, Salvador Dalí, 1935. / Dress Skeleton, Elsa Schiaparelli, 1938. / Foto: youtube.com

Els esquelets són un altre tema de l'art surrealista i s'han utilitzat en més col·laboracions entre Dali i Schiaparelli. El vestit Skeleton va ser el primer d’aquest tipus. Elsa va utilitzar una tècnica anomenada trapunto, on es cusen dues capes de tela, creant un contorn on s’insereix la batuda, creant així un efecte elevat. Aquesta tècnica crea una superfície texturitzada sobre un teixit pla, donant la il·lusió que els ossos humans sobresurten a través del vestit. Això va provocar un escàndol perquè el vestit estava fet d’un material elàstic que s’adheria a la pell. Les fantasies de les pintures i dibuixos de Dali es van plasmar en el món irreal de les vestimentes de Schiaparelli, que fins avui dia fan una impressió indeleble tant per als espectadors com per als dissenyadors.

4. Yves Saint Laurent: El xoc de l’art i la inspiració

D'esquerra a dreta: vestit Picasso de Yves Saint Laurent, 1988. / Ocells de Georges Braque, 1953. Foto: pinterest.com
D'esquerra a dreta: vestit Picasso de Yves Saint Laurent, 1988. / Ocells de Georges Braque, 1953. Foto: pinterest.com

On és la línia entre imitació i apreciació? Els crítics, el públic, els artistes i els dissenyadors han lluitat per determinar per on corre aquesta línia. No obstant això, quan es tractava d’Yves Saint Laurent, les seves intencions no eren més que afalacs i admiració pels artistes i les pintures que va utilitzar com a inspiració. Mirant la seva àmplia cartera, Saint Laurent es va inspirar en cultures i art de tot el món, que va incorporar amb èxit a la seva indumentària.

D’esquerra a dreta: vestit de còctel: homenatge a Pete Mondrian, 1965. / Vestit de nit: homenatge a Tom Wesselmann, 1966. / Foto: vk.com
D’esquerra a dreta: vestit de còctel: homenatge a Pete Mondrian, 1965. / Vestit de nit: homenatge a Tom Wesselmann, 1966. / Foto: vk.com

Tot i que Yves no va conèixer mai els artistes que l’inspiraven, això no l’impedí de crear obres d’art com a mostra de respecte per a ells. Laurent es va inspirar en artistes com Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque i Picasso. Era col·leccionista d'art i col·leccionava quadres de Picasso i Matisse, que penjava a casa seva.

Yves va agafar alguns dels motius artístics i els va convertir en roba impressionant que ret homenatge a alguns dels seus artistes preferits. La dècada de 1960 va ser una època de revolució i comercialisme, una nova era de la moda i l'art. Els projectes de Saint Laurent van obtenir èxit comercial quan va començar a inspirar-se en l'art pop i l'abstracció. El 1965 va crear vint-i-sis vestits inspirats en pintures abstractes de Piet Mondrian. Els vestits encarnaven l’ús de formes simplistes i colors primaris atrevits per part de Mondrian. Yves va utilitzar una tècnica en què no es veien costures entre les capes de tela, cosa que va donar la impressió que la roba era una peça sencera. Saint Laurent va prendre l’art de Mondrian dels anys vint i el va fer usable en relació amb els anys seixanta.

D’esquerra a dreta: Detall d’una jaqueta estil Van Gogh, 1988. / Famosos gira-sols de Van Gogh, 1889. / Foto: zhuanlan.zhihu.com
D’esquerra a dreta: Detall d’una jaqueta estil Van Gogh, 1988. / Famosos gira-sols de Van Gogh, 1889. / Foto: zhuanlan.zhihu.com

Els vestits de moda són exemples clàssics de l’estil dels anys seixanta. Eren similars a la roba dels anys vint que tenia menys restriccions i tenia mànigues i costells que exposaven grans taques de pell. Les siluetes quadrades de Saint Laurent feien que les dones es sentissin lleugeres i lliures. Això també el va portar a inspirar-se en artistes d'art pop com Tom Wesselman i Andy Warhol. Va crear una línia de dissenys inspirats en l'art pop que presentaven siluetes i retalls a la seva roba. Es tractava de superar les limitacions del que és l’abstracció en l’art i la comercialització del disseny. Laurent va reunir aquestes dues idees per crear roba per a dones lliures i atractives per a les dames modernes.

Jaqueta a l’estil de Van Gogh, 1988. / Foto: zhuanlan.zhihu.com
Jaqueta a l’estil de Van Gogh, 1988. / Foto: zhuanlan.zhihu.com

Les jaquetes Vincent Van Gogh de Saint Laurent són un exemple de com Yves va combinar la inspiració de l’artista amb els seus propis talents de disseny. Igual que les seves altres peces, els temes relacionats amb els artistes no es van copiar i enganxar a la roba de Saint Laurent. En lloc d’això, va optar per utilitzar-les com a font d’inspiració i crear peces que reflectissin el seu propi estil. La jaqueta és un exemple de l’estil dels anys 80, que està brodat amb gira-sols a l’estil pintoresc de Van Gogh.

Laurent ha col·laborat amb Maison Lesage, líder en brodats d’alta costura. La jaqueta "Sunflowers" està brodada amb comptes tubulars. Les flors s’omplen de diferents tonalitats de brillants taronges i grocs. Això crea una textura multidimensional similar a la tècnica de Van Gogh d’aplicar pintura gruixuda sobre el llenç. Es calcula que és un dels articles d’alta costura més cars que s’hagin fabricat i venut a Christie’s per prop de quatre-cents mil euros. Saint Laurent va obrir el camí per portar roba com a obra d'art en si mateixa, independentment de la moda i el període de temps.

Continuant el tema, llegiu també sobre el que va portar Saeko Yamaguchi a l'èxit, convertint-la en una de les muses més estimades de Kenzo i Yamamoto.

Recomanat: