7 obres mestres de l’Ermita que val la pena veure el 2020

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

Els científics han demostrat durant molt de temps que l’art té un efecte beneficiós sobre la salut humana en reduir el nivell d’ansietat i estrès del cos. Això és especialment cert per a les belles arts i la contemplació del bell. Per tant, perquè el 2020 s’ompli d’un estat de cos i esperit favorable, val la pena visitar l’Ermita i veure les exposicions més famoses del museu.

"Apòstols Pere i Pau" d'El Greco

El Greco és un dels artistes més brillants i originals. Grec d’origen, va estudiar pintura a Itàlia al taller del gran Ticià. Va aprendre la tècnica de l'oli del seu ídol i també es va inspirar en les tècniques artístiques del manierisme italià. El Greco va destacar entre els seus col·legues per l'originalitat de l'estil dramàticament expressiu. En els seus retrats, va prestar molta atenció a la caracterització psicològica. En aquesta pintura de l’Hermitage, l’artista representa dos tipus de persones diferents. A l’esquerra hi ha l’apòstol Pere, que va negar l’existència de Crist tres vegades. El seu rostre transmet tristesa i incertesa, mentre que els seus gestos estan tenyits de penediment i súplica. L’apòstol Pau, que, com ja sabeu, era un perseguidor zelós dels cristians, a la imatge mostra fervor espiritual en afirmar la veritat. Els gestos amb les mans que formen el centre compositiu de l’obra expressen un diàleg que uneix els dos apòstols.

El Peter de cabells grisos, embolicat amb una túnica daurada, va inclinar el cap cap al lateral. A la mà esquerra sosté el seu símbol: la clau del Regne del Cel. Pavel pressiona fermament la mà esquerra cap al volum obert de la taula, la mà dreta s’eleva en un gest de clarificació quan mira directament a l’espectador. Sant Pere i Sant Pau apareixen nombroses vegades a l’obra d’El Greco i es representen amb una consistència sorprenent. L’artista sempre mostra Petra amb els cabells i la barba grisos i sovint porta una túnica groga sobre una túnica blava. Paul sempre està lleugerament calb, amb els cabells foscos i la barba, amb una túnica vermella sobre roba blava o verda.

"Maria Magdalena penitent" de Ticià

La Maria Magdalena penitent és un retrat de Santa Maria Magdalena Ticià del 1531 aproximadament, amb la signatura "TITIANUS" a la nau a l'esquerra. Segons la trama, es tracta d’una dona amb un passat dissolut que, segons l’Evangeli (Lluc 7, 36-50), va arribar a la casa de Simó el Fariseu per demanar perdó a Jesús. És una figura femenina retratada per Ticià amb traços gruixuts i concentrats i tons càlids. La paleta ressalta increïbles ulls amarats de llàgrimes de cristall. El cabell ros de coure que cobreix la figura està increïblement escrit. El tema de Maria Magdalena penedida, alçant els ulls al cel, va guanyar una gran popularitat a Itàlia al segle XVI entre els aristòcrates, els líders religiosos i la rica classe mitjana. La manca de roba simbolitza la negativa de la Magdalena a la joieria, l’or i les aficions mundanes pel bé de la fe en Crist. A més, els cabells daurats i la figura general de la Magdalena compleixen els estàndards de bellesa renaixentista.

"Madonna Litta" de Leonardo da Vinci

El quadre va rebre el nom de la família noble milanesa, a la col·lecció de la qual es va trobar durant la major part del segle XIX. El 1865, el tsar rus Alexandre II va comprar el llenç per a l'ermita, on es mostra fins avui. Aquesta obra representa a la Madonna alletant al Nen Crist. Tingueu en compte l’absència de fantasmes en aquesta imatge. Diversos llenços de Leonardo demostren aquesta mateixa característica. Les figures es situen en un interior fosc amb dues obertures arquejades que mostren una vista del paisatge muntanyós. Un detall interessant: al centre del quadre, a la mà esquerra de Crist, hi ha un cadell, que és un símbol de la passió de Crist.

El sentiment de l’alegria de la maternitat a la pintura “Madonna Litta” es representa especialment deliciosament gràcies a la riquesa de la mateixa imatge de Maria; aquí va trobar la seva madura expressió de la bellesa femenina de Leonardo. El rostre suau i bell de la Mare de Déu dóna una espiritualitat especial als ulls mig tancats i un lleuger somriure. La composició del quadre crida l’atenció per la seva claredat i perfecció. La Mare de Déu i el Nen van ser un motiu comú en l'art cristià durant l'edat mitjana i van continuar fins al Renaixement.

"Llaüt" Caravaggio

El quadre va ser encarregat pel cardenal Francesco del Monte, que va patrocinar l'artista. Caravaggio va retratar un jove fascinat per la música: la seva mirada és plena d’inspiració, els dits s’enganxen a les cordes. La figura d’un jove amb camisa blanca destaca clarament sobre un fons fosc. La il·luminació lateral dura i les ombres que cauen donen als objectes un volum i un pes gairebé perceptibles. Els objectes col·locats a la imatge donen fe del gran amor de l’artista pel món que l’envolta, del seu desig de reproduir amb veracitat la natura, de transmetre la qualitat material de cada detall. A la llibreta que es troba davant de l’heroi amb un llaüt, hi ha escrites les notes inicials del madrigal popular del segle XVI "Ja saps que t'estimo".

L’amor com a tema d’aquesta obra també està indicat per altres objectes. Per exemple, el llaüt esquerdat era una metàfora de l’amor que falla. A l’alba de la creativitat, Caravaggio sovint donava trets femenins als joves, que, però, eren típics de l’art italià de finals del segle XVI. És interessant que el músic del quadre de l’Hermitage sovint es confongués amb una noia i la composició es deia “El llaüt”.

"La dama de blau" Thomas Gainsborough

Una de les millors obres de l’artista - "La dama de blau" - va ser creada per Gainsborough en el màxim dels seus poders creatius. La figura d’una dona jove amb un vestit obert de tela blanca transparent destaca suaument sobre un fons fosc. El seu cabell en pols té un estil de pentinat peculiar. Els grans rínxols cauen sobre les espatlles inclinades. La frescor del rostre juvenil s’accentua amb els llavis mig oberts i els ulls foscos en forma d’ametlla. Amb un lleuger moviment de la mà dreta, sosté el mocador de seda blau. Els tons grisencs, blavosos, rosats i blancs aquí i allà es realitzen amb traços brillants i ajuden a transmetre l'elegància i la bellesa del model.

L’atreviment de les tècniques pictòriques de Gainsborough va sorprendre els seus contemporanis. Per tant, Reynolds va assenyalar "punts i trets estranys" a les pintures de Gainsborough, "que semblen més probablement el resultat de l'atzar que una intenció conscient". Aquesta tradició no acadèmica és un dels majors assoliments de Gainsborough. "La dama de blau" va entrar a l'ermita el 1916 des de la col·lecció d'A. 3. Khitrovo per testament.

El retorn del fill pròdig de Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Aquesta obra mestra de l'art bíblic confirma una vegada més la condició de Rembrandt com un dels millors pintors de tots els temps i el més gran de tots els antics mestres en representar escenes bíbliques. El quadre El retorn del fill pròdig, completat per l'artista els darrers anys de la seva vida, representa una escena de la paràbola de Lluc 15: 11–32. Segons el destacat crític d'art Kenneth Clarke, el llenç és una de les pintures més grans de tots els temps. Segons la trama, el pare, com el patriarca, posa les mans sobre les espatlles d’un penitent afaitat i vestit amb roba gastada. Els seus ulls estan gairebé tancats. L’acte de perdó es converteix en una benedicció d’un sagrament gairebé sacramental.

Es tracta d’una imatge amb la màxima espiritualitat, lliure de tots els aspectes anecdòtics, en què tots els moviments i accions s’han aturat. L’escena s’enfonsa en la foscor, com un túnel, des d’on brillen clarament les cares del pare i del seu fill gran. Les seves túniques vermelles donen una brillantor a aquesta foscor. Rembrandt ha pintat repetidament sobre el tema del fill pròdig, però en aquesta monumental versió a l’oli va arribar al seu fill més emocionant i, gràcies al contrast del fill més gran i el més petit (pròdig), la formulació psicològicament més difícil.

"Ball" d'Henri Matisse

"Dansa" és una de les obres més famoses d'Henri Matisse: una oda a la vida, l'alegria, el rebuig físic i un símbol de l'art contemporani. La peça fou encarregada per l'influent col·leccionista rus Sergei Shchukin el 1909 per decorar la seva mansió. Caracteritzada per la seva senzillesa i energia, aquesta orgia artística va deixar una empremta inesborrable en l'art del segle XX. El ball es va escriure en el moment més alt de l’estètica fauvista i encarna l’emancipació de les tradicions artístiques tradicionals occidentals. L'elecció estètica d'Henri Matisse per a aquesta pintura va causar un autèntic escàndol als salons d'art el 1910. La nuesa atrevida i les tonalitats rugoses van donar a la imatge un caràcter extraordinari per a aquella època, que als ulls d’alguns espectadors semblava bàrbar.

Matisse només va utilitzar tres colors per representar aquest ball: blau, verd i vermell. D'acord amb les associacions tradicionals de colors fauvistes, aquests tres tons creen un contrast intens. Tot i això, l'objectiu de Matisse no era sorprendre el públic. Al contrari, pretenia unir les persones entre si i amb la natura. Com va dir l'artista, "el que somio és un art equilibrat, net i tranquil que pot evitar problemes o decepcions".