Com l'Amazònia de les avantguardes russes va conquerir París i més enllà: Natalia Goncharova

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

Natalia Goncharova és una destacada artista, dissenyadora i escriptora russa. Es va fer famosa a tot el món gràcies a les seves obres brillants, sucoses i extraordinàries que combinen diversos estils: des del fauvisme i el cubisme fins al futurisme i el modernisme. També era coneguda pels seus vestits i decorats per al ballet i el teatre, que cridaven l'atenció en la seva versatilitat i disseny inusual en aquells temps.

Durant les dues primeres dècades del segle XX, l'art rus va absorbir nous estils i filosofia de l'art de l'Europa occidental i es va traslladar a l'avantguarda de la cultura. Goncharova i el seu marit Mikhail Larionov, amb el seu treball i esforços per organitzar exposicions i equips creatius, es van trobar al centre d’aquesta revolució artística, que va precedir i acompanyar el trastorn polític del país.

Natalia va néixer a Nagaevo, al centre de Rússia. La família Goncharov va perdre la seva fortuna a causa de la producció de lli a finals del segle XVIII. El famós poeta Pushkin es va casar amb una de les seves avantpassades, Natalia Goncharova, que li va donar el nom. El seu pare era arquitecte. La família de la mare de Natalia, la família Belyaev, va donar a llum a diversos sacerdots i eren coneguts com a mecenes de la música.

Als seus primers anys, Natalya va assistir a un gimnàs a Moscou. I a una edat més conscient, després d’haver decidit convertir-se en artista, va ingressar a l’Escola de Pintura, Escultura i Arquitectura (Moscou), on va estudiar escultura amb Pavel Trubetskoy, que treballava a l’estil d’Auguste Rodin. Va deixar la universitat tres anys després, tot i guanyar una medalla de plata i no haver completat un període d’estudis de deu anys per al pla d’estudis. Això va coincidir amb la seva acceptació de la pintura com a mitjà d’expressió preferit.

1. Carrera i marit

El 1900, Goncharova va conèixer el seu futur marit, Mikhail Larionov. També va anar a la universitat, però al departament de pintura. La seva decisió d’iniciar la pintura va ser recolzada per Mikhail, la seva passió pel joc de la llum i l’harmonia del color en el futur es va convertir en el segell distintiu de l’artista.

Com molts artistes russos de la seva època, els primers anys del segle XX van ser un període de coneixement i acceptació dels estils que es van desenvolupar a les capitals d’Europa occidental. En aquella època, la va atraure l'impressionisme i el divisionisme, estils associats respectivament a Monet i Seurat. Tots dos estils no emfatitzaven la imatge d'objectes sòlids, sinó la captació de llum (color) que es reflectia des de l'objecte fins a la vista. Com a resultat, el dibuix solia ser fluix i es va posar èmfasi en el color i en els traços de pintura. Això va donar lloc a una presa de consciència de la pintura, les pinzellades, la textura i la pintura sobre tela. Aquests dos estils eren essencials per alliberar l'art d'un caràcter purament representatiu. Els artistes van començar a adonar-se que l'art és una expressió estètica, inspirada en l'aparença del món físic, però que no en depèn.

Un cop el gran empresari de ballet rus Diaghilev va organitzar la inclusió de la col·lecció de pintures de Goncharova i Larionov a la secció russa del Saló de tardor de París. La seva inclusió en aquesta recentment creada exposició anual de nou art radical (el mateix any 1906 s’hi va presentar el primer grup de Fauves) testimonia que tots dos artistes eren considerats models de les tendències avantguardistes del seu país. Durant els nou anys següents, abans de la seva emigració de Rússia, Natalia va participar en diverses exposicions importants, moltes de les quals van organitzar ella i Mikhail. Durant aquest període, també va ser presentada a l’exposició postimpressionista del 1912 organitzada per Roger Fry a la Grafton Gallery de Londres, així com a exposicions personals a Moscou i Sant Petersburg i a una exposició a la Paul Guillaume Gallery de París. amb el catàleg del famós crític Apollinaire.

2. Estil de districtisme

El mig segle que va precedir l'inici de la guerra va ser un període de ràpid desenvolupament de les belles arts a Rússia. Natalia va estar al capdavant d’aquest moviment.

Sorprenentment, es van manifestar simultàniament tres direccions diferents a la seva obra: regionalisme, neo-primitivisme i cubo-futurisme.

El primer d'ells és l'estil original concebut per Mikhail i àmpliament investigat per Natalia.

El districtisme era en aquell moment un dels estils completament abstractes de l'art occidental. Igual que l’impressionisme, el regionalisme es concentra en els rajos de llum reflectits pels objectes. L’espai de la imatge d’un radiant no es pot mesurar, sinó que és una atmosfera carregada amb l’energia d’un nombre infinit de rajos de llum, ja sigui directament del sol, o, més probablement, els rajos que es reflecteixen d’anada i tornada des d’objectes físics que l’envolten. El principi rector és purament estètic, ja que es trien els colors per la seva harmonia o efecte visual.

Durant més de tres dècades, els artistes han quedat fascinats per la idea de crear art no figuratiu basat en l’orquestració del color. Si la música és completament abstracta i, al mateix temps, infinitament expressiva, no hi pot haver un art que faci servir el color (en lloc del so) que sigui igual d’abstracte i expressiu.

En lloc de les formes fragmentades i interconnectades que es troben al cubisme, la sèrie Cats es basa en traços de colors llargs i tallants. El districtisme va ser un estil de curta durada que va arribar al seu final el 1914. Franz Marc, associat al Munich Blaue Reiter (amb qui Natalia havia exposat dos anys abans), admirava la seva obra i escrivia d'una manera inspirada en el districtisme, possiblement per la seva influència.

3. Estil de primitivisme

Desinteressada i inquieta, buscant una nova inspiració, també va confiar molt en els primers pintors cubistes com Pablo Picasso durant algun temps. Aquesta etapa de la seva obra va durar diversos anys i va cobrir la seva pintura, inspirada en la tradició russa.

Però les seves il·lustracions per a diversos llibres de poesia de Velimir Khlebnikov i Alexei Kruchenykh van mostrar la seva devoció a les formes d’art russes antigues, com ara icones, frescos religiosos i xilografies. El 1913, va declarar dramàticament que s’estava apartant d’Occident, donant-li la seva simpatia a l’Est.

En una de les seves primeres exposicions, es van presentar pintures primitivistes i cubistes i, en una exposició posterior, organitzada pel seu marit, es van exposar més de cinquanta obres de Natalia. Es va inspirar en el primitivisme de les icones i l'art popular russos, conegudes també com a gravats populars. La segona exposició posterior es va concebre com una ruptura deliberada amb la influència artística europea i la creació d’una escola d’art contemporani russa independent. L'esdeveniment va resultar controvertit i el censor va confiscar l'obra temàtica religiosa de Natalia "Evangelistes", considerant blasfem mostrar-lo en una exposició anomenada "La cua del ruc". Natalia i Mikhail han estat perseguits durant molt de temps per les seves obres i la seva manera d’expressar-se. Però fins i tot en les darreres obres de Natalia, es nota la influència del futurisme rus. Inicialment fascinada per la pintura d’icones i el primitivisme de l’art popular ètnic rus, Natalia va guanyar fama a Rússia per la seva obra futurista (una de les quals era una pintura anomenada El ciclista).

Natalia i Mikhail, pintant-se la cara amb jeroglífics i flors, van recórrer els carrers com a part d’un moviment artístic primitivista. De tant en tant, la mateixa Natalia no tenia por d’aparèixer en públic mig nu amb símbols al pit. Com a líders dels futuristes de Moscou, van organitzar provocatives nits de conferències en la mateixa línia que els seus homòlegs italians. A més, Natalia va escriure i il·lustrar diversos llibres d’avantguarda.

Natalia ha estat membre del grup d'avantguarda Blue Rider des del primer dia de la seva fundació (1911). Quatre anys més tard, va començar el desenvolupament de vestits i decorats de ballet a Ginebra. I aviat va començar a treballar en una sèrie d'esbossos per al ballet de Diaghilev, però, per desgràcia, el ballet mai es va realitzar.

Pocs anys després es va traslladar a París, on va crear diversos conjunts per als ballets russos de Diaghilev. També va exposar al Salon d'Automne i va participar regularment al Salon des Tuileries i al Salon of Independents.

Natalia i Mikhail van col·laborar en quatre esdeveniments benèfics a Moscou. Tots dos van desenvolupar la majoria dels materials promocionals de l'esdeveniment.

4. Estil del neo-primitivisme

Paral·lelament al raionisme, Natalia va escriure amb un estil que ara s’anomena neo-primitivisme. Va ser un fenomen que s’havia produït anteriorment a França i altres llocs i que sembla estar relacionat amb un canvi en les aspiracions polítiques, socials i culturals. Combinat amb la democratització del pensament polític i social, sovint hi ha hagut una tendència a intentar descobrir el caràcter més profund de les cultures nacionals recorrent a l’art popular tradicional o camperol per inspirar-se. Degut al bagatge eclesiàstic de la seva família i al fet que va passar la seva joventut vivint en una finca rústica, Natalia seria atret per l’art religiós i popular tradicional com a part de la seva experiència formativa i com a arts visuals dels seus compatriotes. Aquest va ser el període en què la intel·lectualitat va començar a veure les icones (imatges litúrgiques russes) com un important patrimoni cultural nacional. La gran exposició d’icones Romanov va entusiasmar moltes persones estèticament sensibles.

Natalia escriu sobre temes religiosos des de fa uns quants anys, sentint que el significat i el significat intensament religiós de les icones és un dels objectius més importants que una artista ha de plasmar en la seva obra. Els rics colors, els enlluernadors efectes decoratius i el caràcter altament formalitzat i estilitzat de les icones ja l’han inspirat a treballar.

Això la va portar a recórrer a una manera no relacionada amb la pràctica acadèmica. A més d’emfatitzar les qualitats decoratives planes, de vegades la pintura semblava esquitxada sobre la superfície o s’aplicava ràpidament per obtenir un efecte espontani. L'encant i la ingenuïtat, que anteriorment es cantaven a la pintura d'Henri Rousseau, van aparèixer en l'obra de l'artista russa i, que és molt important per a ella, van ser manllevades de fonts locals.

5. Estil del cubo-futurisme

Entre el 1913 i el 1914, el cubofuturisme, aspectes dels estils moderns del cubisme i el futurisme, apareixia a la pintura de Natalia. Els artistes russos van conèixer el cubisme a través de publicacions, exposicions i col·leccions com les col·leccions Morozov i Shchukin. El cubisme era ambivalent cap al color a favor d’un nou sentit d’estructura-fragmentació i cohesió de la forma, donant lloc a una composició uniformement animada en què s’elimina la relació figura / terra.

El futurisme italià també va tenir un seguiment a Rússia en els anys immediatament anteriors a la Primera Guerra Mundial.

El seu futurisme, com el dels italians, estava ple de colors. Les sensacions de moviment eren causades per repeticions rítmiques de figures o línies. La inclusió de paraules de colors o fragments de paraules com si fossin signes i part de l’entorn per on passava la persona, va contribuir encara més a aquesta percepció. Les ones sonores també estaven implicades per efectes rítmics i, de vegades, per l'ús de la notació musical.

6. Els darrers anys de vida

Natalia va passar la resta de la seva vida a París, reconeguda com a membre important de la comunitat artística de la ciutat. Va continuar pintant, però la seva obra més destacada va ser en el camp de l’escenografia. En aquesta àrea, tant ella com Michael es van convertir en estrelles mundials. La Natàlia va identificar cada vegada més el seu treball amb França. El 1936, ella i Mikhail van participar en un important concurs internacional d’art teatral celebrat a Milà. Van preferir exhibir la seva obra a la secció francesa que a la secció soviètica i, quan van guanyar la medalla de plata, va ser França qui els va acudir.

Després de la invasió de França per Adolf Hitler a la primavera de 1940, Natalia i Mikhail es van trobar sota ocupació alemanya. En els difícils anys següents, tots dos van aconseguir continuar la seva carrera al teatre. Després, una exposició de les seves pintures esbiaixades a París va recordar al públic el seu paper destacat en el desenvolupament de l’art contemporani al començament del segle. Com alguns han argumentat, els dos artistes van deliberadament superar alguns dels seus treballs, de vegades en més d’una dècada, per consolidar la seva reputació d’artistes pioners.

Mikhail va patir un ictus i la situació financera dels cònjuges, que mai havia estat especialment còmoda, es va tornar encara més precària. Van sobreviure en part venent els seus primers quadres. Natalia també va patir moltes malalties físiques, inclosa una forma severa d’artritis, que feia impossible dibuixar sobre un cavallet. Continuant demostrant la seva dedicació a l'obra, va col·locar el llenç davant d'ella en una posició plana per continuar manipulant el pinzell.

Natalia va fer el seu darrer intent de disseny teatral el 57. Consistia en vestits i decorats per a una sèrie de ballets a Montecarlo. Un any més tard, va celebrar l'exposició final del seu quadre a París, mostrant una vintena de teles inspirades en el llançament rus del satèl·lit espacial Sputnik.

La parella encara estava afectada per problemes financers. Només la venda d’una part important de la biblioteca i les obres dels cònjuges al Victoria and Albert Museum de Londres van ajudar a mantenir la seva solvència.

Natalia va morir de càncer a París. A la seva làpida, simplement s’escrivia que era artista i pintora. La mort de Mikhail va arribar poc després. Va ser enterrat al seu costat amb la mateixa inscripció a la seva làpida.

Continuant amb el tema de la pintura - sis líders mundials que es van fer famosos no només en la políticaaixí com a l’art.