10 instal·lacions estranyes i extraordinàries que encara es debaten molt

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

Les instal·lacions són una de les formes d’art intemporals més potents i emocionants. A diferència de la pintura i l’escultura, requereix una atenció i un espai especials. Això s’assembla a una altra dimensió, on a primera vista tot és senzill i entenedor, però en realitat és molt més complicat. Un món únic, de vegades fins i tot aterridor, és tan extraordinari que des dels primers minuts us arrossega al cap i us fa pensar.

Aquest moviment va sorgir als anys seixanta i des d’aleshores s’ha convertit en una de les àrees més populars i generalitzades de la pràctica artística moderna, amb artistes que utilitzen formes cada vegada més aventureres i lúdiques de transformar l’espai.

Molts artistes dissenyen instal·lacions individuals per adaptar-se a un espai concret, transformant-lo en un escenari completament nou. Bastides, parets falses, miralls i fins i tot parcs infantils complets han omplert l’espai de l’art contemporani, mentre que la llum i els efectes sonors també són una característica habitual d’aquesta tendència. La interacció amb el públic és un aspecte vital de l’art de la instal·lació. Si es vol, els visitants poden rastrejar-se fàcilment sota enormes torres, passar bolets gegants o llançar diversos sensors de moviment. L’augment de la tecnologia digital ha tingut sens dubte un profund impacte en aquest fil interactiu de la instal·lació, oferint als artistes possibilitats gairebé il·limitades de donar vida a les seves idees.

Malgrat que l'art de la instal·lació va sorgir com a moviment artístic a principis dels anys seixanta, abans d'aquest moment les primeres inclinacions ja eren visibles. El 1923, el constructivista rus El Lissitzky va explorar per primera vegada la interacció de la pintura i l'arquitectura a la seva mundialment famosa Sala de Prouns, on fragments geomètrics bidimensionals i tridimensionals interactuen entre si a l'espai. Deu anys després, l'artista dadaista alemany Kurt Schwitters va començar a crear la seva sèrie de dissenys anomenada Merzbau (1933) a partir de panells de fusta ensamblats que semblaven créixer per les parets.

El pintor surrealista i dadaista francès Marcel Duchamp també va ser un dels primers a experimentar amb la manera com els visitants naveguen per l’espai de la galeria, omplint-lo de complicades teranyines a Mile of String, 1942. Als anys 50, els esdeveniments estaven de moda a tots els Estats Units., i artistes com Claes Oldenberg i Allan Kaprow han combinat arts escèniques experimentals amb objectes bastant muntats, sovint amb una agenda polititzada.

I, malgrat que aquestes obres d’art no s’arrelaven realment als mercats de l’art, ja que eren gairebé impossibles de vendre i havien de ser desmuntades al final de l’exposició, no obstant això, van començar a guanyar una immensa popularitat a principis dels anys seixanta., convertint-se en objectes clau de moltes fotos.

Des d’aleshores, l’art de la instal·lació s’ha mantingut com a pilar fonamental de la pràctica artística moderna i s’està convertint en més divers i experimental que mai. Des de visualitzacions prismàtiques de dades digitals fins a torres vacil·lants a la vora del col·lapse, aquestes són només algunes de les coses que poden fer la fantasia i la imaginació humanes.

1. Allan Kaprow, Yard, 1961

The Yard, de l’artista nord-americà Allan Kaprow, va iniciar una nova era en la història de l’art. L’artista va omplir de gom a gom el jardí obert de la galeria Martha Jackson de Nova York amb pneumàtics de cotxe de goma negres, alguns dels quals estaven embolicats en lones, abans de convidar els que ho desitgin a unir-se al parc infantil, on podrien divertir-se, saltar i córrer com els nens.

La seva icònica instal·lació va obrir noves experiències sensorials als visitants i els va permetre gaudir de cada minut que hi passaven. A més d’explorar idees abstractes al voltant de sòlids i buits a l’espai, Kaprow també va aportar improvisació i participació grupal al seu art, acostant-lo a la realitat de la vida ordinària, explicant així que la vida és molt més interessant que l’art. I la línia entre art i vida hauria de ser el més inestable i, possiblement, difusa.

2. Joseph Beuys, La fi del segle XX, 1983-5

L’escultor alemany Joseph Beuys va capgirar literalment el món de l’art un any abans de la seva mort. Pedres enormes (trenta-una peces) de roca de basalt es van reunir i van escampar pel terra per crear aquesta instal·lació d'art, cadascuna amb el seu propi sentit de la història, el pes i el caràcter. Boyce va perforar un forat cilíndric a cada pedra, en el qual va ficar argila i va sentir. Després va polir i va tornar a enganxar les peces perforades, deixant només el més mínim rastre de la seva intervenció artística en cadascuna. En fer-ho, va destruir el vell / nou, natural / fet per l’home i la diferència / repetició.

També es va referir a l'alba d'una nova era, encara carregada d'una història tan pesada com les seves pedres de basalt, comentant així la seva creació:.

3. Cornelia Parker, Cold Dark Matter, 1991

"Cold Dark Matter", de 1991, de l'artista britànica Cornelia Parker, és una de les instal·lacions més impactants i memorables dels darrers temps. Per crear aquesta obra, va omplir un vell graner amb escombraries domèstiques, incloses joguines i eines antigues, abans de bufar literalment tot el graner a l’aire. Després va recollir tots els fragments restants i els va penjar a l'aire, com si estiguessin penjats constantment en el punt de l'explosió.

Complementada per una il·luminació ombrívola, aquesta instal·lació transmet perfectament aquella atmosfera molt opressiva, provocant la pell de gallina i deixant un regust desagradable al fons de l’ànima.

4. Damien Hirst, Farmàcia, 1992

Damien (Damien) La farmàcia de Hirst recorda una atmosfera clínica antiga, on els paquets de pastilles, ampolles i instruments mèdics es col·loquen en prestatges blancs com la neu. Però el seu art d’instal·lar és massa geomètric i ordenat.

Va disposar deliberadament els medicaments de manera que es formessin patrons repetitius de colors seductors i brillants a les etiquetes, que recordessin els dolços de les pastisseries. De fet, segons la majoria de la gent, només les drogues poden allargar la vida i donar una mena d’immortalitat, però de fet això està lluny del cas. El nostre món és fràgil i inestable i la vida és efímera, de manera que cada moment no té preu.

5. Carsten Heller, The Mushroom Room, 2000

La Mushroom Room de l’artista belga Carsten Holler és un plaer pel que fa a fer pessigolles als nervis i als sentits. Holler va escollir deliberadament el bolet blanc i vermell per les seves propietats psicoactives, exagerant molt la seva mida, color i textura per millorar el seu efecte dramàtic.

Suspesos cap per avall del sostre, impedeixen el moviment dels participants, cosa que els obliga a apretar entre ells per no danyar els "barrets" aparentment delicats i fràgils. Segons l'artista, aquesta instal·lació permet a cada espectador submergir-se en un nou món de contes de fades i sentir com és formar part d'una història inventada per algú.

6. Olafur Eliasson, Weather Project, 2003

L’artista danès-islandès Olafur Eliasson ha dissenyat la seva impressionant instal·lació ambiciosa, The Weather Project, que capta l’efecte d’un enorme sol que emergeix a través d’un vel prim i vacil·lant de boira. Les làmpades de baixa freqüència al voltant del seu sol artificial permetien que el sol daurat domini l’espai, reduint tots els colors circumdants a tonalitats màgiques d’or i negre. El Mestre de la Il·lusió va fer la seva bola lluminosa a partir d’un semicercle de llum reflectit per panells emmirallats al sostre que completen el cercle, donant a la meitat superior del sol una resplendor fosca i brillant que imita un veritable resplendor solar. Aquests panells reflectits es van col·locar a tot el sostre, permetent als visitants veure el seu reflex com si suressin al cel per sobre d’ells, creant una sensació d’ingravidesa a l’espai.

7. Anish Kapoor, Swayambh, 2007

Fet de trenta tones de cera suau i pigment, Swayambh es mou lentament d’anada i tornada per un camí especialment dissenyat entre els arcs intactes del museu, deixant un rastre increïblement brut de matèria enganxosa. La instal·lació de Kapoor té una mida colossal de deu metres i, gràcies a la seva textura i el seu color vermell, evoca diferents tipus de sensacions per als visitants. Algú se sent nostàlgic i algú s’enfonsa, quin és el significat d’aquesta instal·lació, que és difícil d’entendre des de la primera vegada, però no és més fàcil a partir de la segona, tercera i cinquena vegada …

8. Yayoi Kusama, Mirror Room Infinity, 2013

La sala del mirall infinit de l’artista japonès Yayoi Kusama és una de les interminables habitacions més impressionants que ha captivat els galeristes de tot el món. Aquesta sala, creada instal·lant panells de mirall al voltant de les parets, el sostre i el terra d’un petit espai tancat, i decorada amb centenars de milers de llums brillants de diversos colors, es converteix en una foscor vasta i infinita, il·luminada pels reflexos de les llums.

Els visitants que entren a l’habitació caminen per un camí emmirallat i veuen els seus reflexos prismàtics dispersos per l’espai, sentint així com si els absorbís de cap a peus, obliterant completament els límits.

9. Random International, Rain Room, 2013

La coneguda instal·lació de Random International "Rain Room" combina lacònicament art i tecnologia en un tot. Els visitants poden caminar a través d’un corrent corrent d’aigua de pluja, però es mantenen miraculosament secs mentre els sensors detecten el seu moviment i fan que la pluja s’aturi al seu voltant. Aquesta idea enganyosament senzilla del col·lectiu londinenc engloba una simbiosi natural entre l'art i l'espectador, ja que la instal·lació només cobra vida a través de la interacció física. Dissenyada per a espais temporals de galeries a tot el món, la primera instal·lació permanent "Rain Room" es va instal·lar a la Sharjah Art Foundation als Emirats Àrabs el 2018.

10. Phyllida Barlow, Doc, 2014

Al moll de Phyllida Barlow, destinat a la Tate Britain, una sèrie de muntatges enormes i atzarosos creats a partir de restes recuperades, clavats i penjats per la sala. Un munt de restes de fusta s’enganxa precipitadament per formar boscos d’aspecte fràgil, amb matolls de tela de colors vius, bosses d’escombraries velles i roba rebutjada lligada amb una cinta de colors.

A primera vista, aquesta instal·lació s’assembla a l’intent d’un nen de construir almenys alguna cosa del no-res, però de fet, el seu treball reflecteix la inestable alarmant vida de l’entorn urbà modern.

Continuant amb el tema de l'art - set quadres d'artistes famosos, que capturen els sentiments més brillantstrencant qualsevol estereotip.