Per què es creu que un bon artista hauria de ser pobre i descontent

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

Els artistes contemporanis han desmentit amb èxit el mite que certament han de semblar excèntrics, amb una boina vella sobre els cabells llargs i una armilla. La majoria dels creadors semblen elegants i fins i tot impressionants. Però no van aconseguir fer front a tots els estereotips. Per exemple, encara hi ha la creença que un artista amb talent hauria de ser pobre. I sens dubte patir. Tant si es tracta d’un amor infeliç, dels mals hàbits o simplement de les circumstàncies de la vida, la pobresa no hauria de ser l’únic vici. D’on va sorgir i els artistes i altres creadors són realment pobres i descontents?

Si ens fixem immediatament en els fets, la UNESCO, per exemple, va determinar el període entre 50 anys de pintar un quadre i el seu reconeixement mundial (per descomptat, en general, sempre que es reconegui). Un moment enorme, si ho considerem en el context de la vida humana, i no en la història del món. No és per això que la majoria dels artistes, sense rebre reconeixement durant la seva vida, van morir en la pobresa? Això significa que aquest estereotip no és més que una observació de la vida, la saviesa popular.

A més, aquest principi és adequat no només en el cas dels artistes i les seves creacions, sinó per a qualsevol creador i innovador. Ja sigui una persona creativa, un matemàtic o un programador. La societat i l’economia de mercat no accepten immediatament alguna cosa conceptualment nova. Per descomptat, si parlem d’artistes, si aquest creador decora el que es ven ara, pot guanyar diners, però val la pena anunciar innovació, tothom es guardarà els llavis amb escèptic. Per tant, hi ha una gran diferència si un artista treballa per a les edats o per al mercat. Tot i això, hi ha exemples que demostren que l’un no interfereix amb l’altre.

Però es manté el fet que creacions enginyoses es creen després d’un treball normal, i que aquesta última no es distingeix en absolut per la sublimitat. No obstant això, no tots els creadors són tan savis, com a regla general, posseint una naturalesa complexa i impulsiva, que no estaven d'acord amb aquests compromisos, que els condemnaven a una pobra existència.

Pobres i amants del dòlar

Salvador Dalí es va autodenominar "amant del dòlar", amb el que esbossava les seves pròpies ambicions. Va convertir el seu nom en una marca durant la seva vida i el va utilitzar activament. Per descomptat, sense el seu talent, no se li hauria cridat l’atenció, però hauríem de retre homenatge al nivell de bombo amb què es va envoltar, seria l’enveja de les celebritats modernes. Quina és la seva història amb la seva dona Gala. Al cap i a la fi, la resta d’homes considerarien vergonyós divulgar aquests detalls sobre la seva vida familiar, però Dali va dir de bon grat a tothom, fins i tot en una entrevista, que la seva dona viu amb els amants en un castell proper, i ell mateix només acudeix a ella. per invitació.

I aquesta història que s’ha generalitzat? Diguem que Dalí, quan pagava el sopar en un restaurant, va fer un petit dibuix al revers. Un xec de restaurant va costar més que el dinar en si mateix, de manera que mai no es va cobrar. Per a l’artista no valia res.

Tot i que mai no treballava per salaris baixos, sempre rebia un gran nombre de comandes. Això sovint va portar al fet que va fer caure el seu propi mercat, reduint el cost del treball individual. No obstant això, en lloc de treure temps, va començar a treballar encara més, inundant literalment el mercat amb pintures, esbossos, il·lustracions, projectes de mobiliari.

Quan altres famosos ni tan sols havien pensat en rodar en publicitat, Dalí ja havia recomanat comprar una determinada marca de xocolata a les pantalles. Després hi va haver un anunci d’una marca de cotxes, una companyia aèria i fins i tot xiclets. No obstant això, un autèntic escàndol de duanes va revelar l'actitud de Dalí davant els diners: li encantava molt.

Els ingressos tangibles li van aportar els gràfics, l’autenticitat dels quals va confirmar amb la seva pròpia signatura. Però, com va resultar, no anava a dibuixar cadascun per separat. Es van imprimir en una placa metàl·lica i es van preparar amb antelació fulls en blanc signats amb un comptador. Van ser ells per un import de 40 mil exemplars que es van trobar a la duana. Els fulls eren econòmics, però Dalí els va signar molt ràpidament. De mitjana, podria registrar fins a 70 mil dòlars per hora.

A principis del segle XX, la comunitat d'artistes es va dividir tàcitament en aquells que treballaven (o almenys buscaven) per treballar tan productius financerament com Salvador Dalí, i en aquells que honraven genis captaires exclusivament no reconeguts com Vincent van Gogh. Durant la seva vida, per una quantitat més o menys decent de 400 francs, va vendre la seva única obra "Red Vineyards". Tots els altres treballs van ser avaluats després de la seva mort. No només no va aconseguir guanyar, ni tan sols es va poder proporcionar una existència decent.

La seva família sempre el va condemnar, la societat no ho va entendre i no va acceptar i l’únic que el va reconfortar va ser pintar. Va treballar molt dur, tot i que això no es pot dir feina, perquè mai no va rebre el pagament dels quadres. És possible acceptar la fama i l'eternitat pòstums en la memòria dels descendents com a pagament?

Van Gogh va escriure que si pogués guanyar almenys mil francs l'any, hauria començat a pintar a mig quilòmetre i amb un plaer encara més gran, però això no va passar i el brillant artista se'n va anar amb ressentiment i talent no reconegut.

Una imatge idealitzada d’un artista famolenc

Per ser franc fins al final, no només els mateixos artistes van ajudar a idealitzar la imatge del geni no reconegut. Franz Kafka al seu conte "La fam" descriu un home que tenia una actitud molt peculiar envers l'art (però, com el mateix Kafka) i tota l'essència de la seva expressió es trobava en una vaga de fam. Ara es diria representació, però pel que sembla en aquell moment no es percebien realment, perquè la gent mirava, mirava l’artista que moria de fam i després duia a terme el seu cos amb un munt de palla.

Kafka demostra irònicament la seva actitud davant la unió "artista-diners", creient que un autèntic geni i creador ha de patir, "morir de fam" per la seva visió de l'art. I si guanya bé, està ben alimentat, és pròsper i està en harmonia amb l’actual govern, és un servidor dels capitalistes. El geni real sempre és desconegut durant la seva vida i, preferentment, els captaires.

Knut Hamsun a la seva novel·la "La fam" també va ajudar a crear la mateixa imatge, descrivint l'escriptor amb al·lucinacions per la fam. Hemingway també creia que un escriptor hauria de tenir gana per pensar millor en l'etern, per estar un pas per sobre dels seus lectors. Tanmateix, el mateix escriptor es relaxava magníficament als centres turístics i vivia feliç per sempre, sense lluitar en absolut per un estil de vida ascètic.

Potser la pobresa en certa mesura deslliga les mans dels creadors de pintures i no només. Un artista, que ningú no reconeix, crearà de la manera que li sigui propera, sense intentar impressionar els crítics, sense tenir en compte els desitjos dels futurs compradors i molt més. Té l’oportunitat d’experimentar sense mirar enrere l’opinió dels seus col·legues, no té por que el públic no ho aprovi (ella no ho va aprovar més), s’embarca en la comprensió de temes profunds i valors eterns. No és aquest el requisit previ per crear una obra mestra?

Altres perceben la pobresa com a llibertat, perquè si un artista es dedica a pintar tot ell mateix, sense molestar-se per un treball banal i rutinari al mercat, té molt més temps per experimentar i pintar-se. Pablo Picasso va dir que "la inspiració existeix i ve durant el treball". És a dir, no us heu d’estirar al sofà esperant l’arribada de la musa, que us conduirà per la mà fins al llenç i us permetrà dibuixar una obra mestra per valor de milions.

El músic de rock Nick Cave va dir que la inspiració no existeix en absolut. Cridant la feina de la creativitat, no va minimitzar el paper del talent. Però amb el talent només no n’hi ha prou, es necessita perseverança i treball. Molta feina. Només així passen coses brillants. Per tant, la recomanació "crear l'eternitat després del treball" és més aviat una formulació teòrica, pràcticament irrealitzable en realitat.

Patiment i por per l'artista

L'únic que tothom, sense excepció, espera de qualsevol obra d'art: les emocions. Alegria, delit, horror, fàstic, por: no és important, el més important és que l’energia emani de la imatge, en cas contrari, per què és tot? Pot un artista que dormia, prengués un esmorzar abundant i saborós, la casa plena, la seva estimada dona està ocupada amb el sopar i els fills (necessàriament sans i heterosexuals) omplen la casa (sens dubte, lluminosa i àmplia, construïda pels seus propis honoraris) amb les seves veus i rialles, de sobte, creen una obra mestra que tornaria les ànimes d'altres persones? Dubtós.

Molts artistes acumulen deliberadament emocions negatives: por, ràbia, ressentiment, ajuden a donar al seu treball el nivell d’energia i nitidesa necessari. No obstant això, aquests problemes no tenien res a veure amb el seu talent, sinó que provenien del seu estatus social i estil de vida. El mateix van Gogh va patir trastorns mentals des de la infància i el patiment va formar part de la seva vida.

Sovint, els genis tenen trastorns mentals. Aquests darrers, malgrat que de fet destrueixen la personalitat, en els millors períodes, poden esdevenir la causa i la base de la creació d’obres mestres o de descobriments científics. Però, és això un pagament suficient per a anys de patiment, turment, ansietat i depressió? Esquizofrènia, trastorns bipolars, ansietat, depressió: tot això pot empènyer una persona cap a l’expressió a través de l’art, però fa que la vida, tant de la persona mateixa com dels seus éssers estimats, sigui simplement insuportable. Sovint la vida dels genis acabava en suïcidi, una altra prova que el patiment era insuportable.

Art rus artel

El 1963, fins a 14 artistes van abandonar l'Acadèmia de les Arts de Rússia. I a més, amb un escàndol. No se'ls va donar l'oportunitat de triar els temes de les pintures que havien de presentar-se al concurs. Tants artistes, que es coneixien i de sobte es van alliberar de la seva ocupació principal, van decidir fundar la seva pròpia comunitat. Es van unir en un artel i van intentar guanyar diners amb el que sabien, pintant quadres, fins i tot per encàrrec.

Fins i tot van donar una mena d’anunci als diaris amb una indicació de la llista de serveis que ofereixen i el seu cost. L’oferta de serveis era molt diversa, amb artistes i iconòstases i pintats de retrats i pintures. I tot això amb pintures a l’oli, aquarel·les i pastels. També es van oferir serveis de tutoria.

La vida en un artel costava a l’artista uns 25 rubles al mes i la cerca col·lectiva de comandes era una bona idea i va obtenir un bon benefici. Per exemple, el preu dels retrats va començar a partir de 75 rubles i més. En la seva major part, el preu depenia de l’experiència i el talent de l’artista, del seu nom i no de la mida del llenç.

De fet, molts artistes, els llenços dels quals pertanyen a les obres mestres del món i que ara tenen una fortuna, van ser creats per mestres que creaven art per l’art. La seva consciència, que no s’adapta al marc de la normalitat i, per tant, el no reconeixement del seu talent durant la vida, per a molts es va convertir en la raó per la qual els seus noms van quedar immortalitzats en els anals de la història. Els descendents, com sentint-se culpables davant el geni, conreen el seu talent, veuen l’espurna de Déu en les seves creacions i la tràgica història de la seva pobresa i privació només complementa el panorama general.

Sovint, els genis, a més d’un caràcter i curiositats complexes, també posseïen desviacions mentals. Alguns genis de l’URSS, que van deixar la seva empremta en ciència i art, són més propensos a deure-ho a la seva esquizofrènia, que permet pensar fora del marc..