9 obres mestres d'artistes brillants que van inspirar grans dissenyadors de moda i van crear col·leccions úniques

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

Al llarg de la història, la moda i l'art han anat de la mà per crear una gran combinació. Molts dissenyadors de moda han manllevat idees de moviments artístics per a les seves col·leccions, cosa que ha permès interpretar la moda com una forma d’art que serveix principalment per expressar idees i visions. Influenciats per això, alguns dissenyadors de moda de renom internacional han creat col·leccions excepcionals basades en els moviments artístics del segle XX.

1. Madeleine Vionne

Nascuda al nord-centre de França el 1876, Madame Madeleine Vionne era coneguda com "la deessa de l'estil i la reina de la sastreria". Durant la seva estada a Roma, va quedar fascinada per l'art i la cultura de les civilitzacions grega i romana, i es va inspirar en deesses i estàtues antigues. Basant-se en aquestes obres d’art, va donar forma a l’estètica del seu estil i va combinar elements de l’escultura i l’arquitectura gregues per donar una nova dimensió al cos femení. Amb la seva habilitat en vestits de drap i inclinats, Madeleine va revolucionar la moda moderna. Sovint consultava obres d'art com La victòria alada de Samotràcia per a les seves col·leccions d'art.

Sorprenen les semblances entre l’obra mestra de l’art hel·lenístic i la musa de Vionne. Un drapatge profund de la tela a l’estil del quitó grec crea ratlles verticals de llum que baixen per la figura. L’escultura va ser creada en homenatge a Nike, la deessa grega de la victòria, i és admirada per la seva representació realista del moviment. La cortina fluida del disseny Vionnet recorda el moviment de la tela ondulada que s’adhereix al cos de Nike. Els vestits poden ser com éssers vius amb ànima, com un cos. Igual que la victòria alada de Samotràcia, Madeleine va crear vestits que despertaven l’essència humana amagada en el fons. El classicisme, tant una filosofia estètica com una filosofia de disseny, va donar a Vionne l’oportunitat de transmetre la seva visió en harmonia geomètrica.

També va quedar fascinada pels moviments d’art contemporani com el cubisme. Madeleine va començar a incorporar formes geomètriques a les seves creacions i va adoptar un altre mètode de tall, anomenat tall bisell. Per descomptat, Vionne mai va afirmar haver inventat el tall oblic, sinó que només en va ampliar l’ús. A mesura que les dones van avançar molt en la lluita pels seus drets a principis del segle XX, Madeleine va defensar la seva llibertat abolint la llarga durada cotilla victoriana de la roba quotidiana de les dones. Per tant, es va convertir en un símbol de l'alliberament de les dones de la restricció del bustier i, en canvi, va llançar teixits nous i més lleugers que literalment fluïen pels cossos de les dones.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli és el principal dissenyador de Valentino i està molt atret per les obres religioses de l’edat mitjana. El punt de partida d’inspiració per a ell és el moment de transició de l’Edat Mitjana al Renaixement del Nord. Va col·laborar amb Zandra Rhodes i junts van desenvolupar una col·lecció inspiradora a la primavera del 2017. Piccioli volia connectar la cultura punk de finals dels anys 70 amb l’humanisme i l’art medieval, de manera que va tornar a les seves arrels i al Renaixement, trobant inspiració a la pintura de Hieronymus Bosch El jardí de les delícies terrenals.

El famós pintor holandès va ser un dels representants més destacats del Renaixement del Nord al segle XVI. Al "jardí de les delícies terrenals", que Bosch va pintar abans de la reforma, l'artista va voler representar el paradís i la creació de la humanitat, la primera temptació d'Adam i Eva, així com l'infern, anticipant als pecadors. Al panell central, les persones semblen satisfer la seva gana en un món de plaer. La iconografia de Bosch destaca per la seva originalitat i sensualitat. Tot el quadre s’interpreta com una al·legoria del pecat.

Al món de la moda, la pintura va guanyar popularitat ja que diversos dissenyadors de moda van quedar fascinats pels seus motius. Combinant èpoques i estètica, Piccioli va reinterpretar els símbols de Bosch amb vestits transparents voladors, mentre que Rhodes va crear estampats romàntics i estampats brodats lleugerament similars a l’obra original. Sens dubte, els colors formaven part del missatge que els dissenyadors volien transmetre. Per tant, la col·lecció de vestits de somni voladors es basa en la paleta de colors nord d’ous verds poma, rosa pàl·lid i blau.

3. Dolce i Gabbana

Peter Paul Rubens va pintar magistralment les dones amb amor, aprenentatge i diligència. Va presentar la seva "Venus davant del mirall" com el símbol suprem de la bellesa. Peter va retratar exclusivament la seva cara clara i els cabells rossos, que contrasten amb la minyona de pell fosca. El mirall és un símbol absolut de bellesa, que emmarca una dona com un retrat i, alhora, subratlla subtilment la nuesa de la figura. El mirall que Cupido guarda per a la deessa mostra el reflex de Venus com una representació de l’atracció i el desig eròtics. Rubens, que va ser un dels fundadors de l'art barroc, i el seu concepte de "colors sobre línies" van influir en diversos dissenyadors de moda, inclosa Dolce & Gabbana. L'estil barroc es va desviar de l'esperit del Renaixement, va abandonar la serenitat i l'elegància i, en canvi, va buscar elegància, emoció i moviment.

Els dissenyadors de moda Domenico Dolce i Stefano Gabbana volien crear una campanya que celebrés el vessant sensual i romàntic de la bellesa femenina. Peter Paul Rubens va ser la font d’inspiració més adequada. Les creacions del duo de culte estaven en gran harmonia amb l'art de l'artista flamenc. En aquesta col·lecció, els models posaven amb gran noblesa, semblant que acabessin de treure un dels quadres de Rubens. Les decoracions van ser dissenyades per semblar-se a miralls barrocs i detalls de brodats. La gràcia de les figures i la paleta de colors pastel van ser destacades amb el vestit rosa brocat. L’elecció dels dissenyadors de moda per incloure una varietat de models va contribuir encara més al tipus de cos d’aquella època. Les línies curvoses que Dolce i Gabbana van utilitzar van contrarestar la discriminació de diferents tipus de cos a la indústria de la moda.

La col·lecció Dolce and Gabbana Women Fall 2012 mostra moltes de les característiques de l’arquitectura barroca italiana. Aquesta col·lecció s’adapta perfectament a les característiques ricament decorades de l’estil barroc sicilià. Els dissenyadors es van centrar en l'arquitectura barroca, tal com es veu a les esglésies catòliques de Sicília. El punt de referència va ser el quadre de Rubens "Retrat d'Anna d'Àustria". En el seu retrat reial, Anna d'Àustria està representada a la manera espanyola. El vestit negre d’Anna està decorat amb ratlles verticals de brodats verds i detalls daurats. Els vestits i capes de disseny artístic fets amb teixits de luxe com encaixos i brocats s’han convertit en la característica principal de l’espectacle Dolce and Gabbana, que va conquistar el món amb la seva creativitat.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga es pot anomenar un autèntic mestre que va reformar la moda femenina al segle XX. Nascut en un petit poble d’Espanya, va incorporar l’essència de la història de l’art espanyola als seus projectes contemporanis. Al llarg de la seva carrera, Balenciaga va quedar impressionat pel Renaixement espanyol. Sovint buscava inspiració de la família reial espanyola i dels membres del clergat. El dissenyador de moda va transformar els articles de l'església i les túniques monàstiques de l'època en obres mestres de moda.

Una de les seves grans inspiracions va ser el manierista El Greco, també conegut com Dominikos Theotokopoulos. Observant el cardenal El Greco Fernando Niño de Guevara, es poden veure les similituds entre la capa del cardenal i el disseny de Balenciaga. La pintura representa el cardenal espanyol Fernando Niño de Guevara de l’època del Greco a Toledo. Les idees d’El Greco van ser manllevades del neoplatonisme del Renaixement italià, i en aquest retrat presenta el cardenal com un símbol de la gràcia de Déu. El manierisme és present en tota la imatge. Això es nota en una figura allargada amb un cap petit, extremitats elegants però estrambòtiques, colors intensos i un rebuig de les mesures i proporcions clàssiques.

La passió de Balenciaga per la indumentària històrica queda palesa en aquest extravagant abric de nit de la seva col·lecció de 1954. Tenia la visió i la capacitat d’inventar formes a la moda moderna. El coll exagerat d’aquest abric es fa ressò de l’estil ample de la capa d’un cardenal. El color vermell de la roba del cardenal simbolitza la sang i la seva voluntat de morir per la fe. El famós dissenyador considerava el vermell vibrant com a extraordinari, ja que sovint afavoria combinacions de colors atrevides i matisos vibrants. La seva gran innovació va ser l'eliminació de la cintura i la introducció de línies fluides, talls senzills i mànigues tres quarts. Fent això, Balenciaga va revolucionar la moda femenina.

El dissenyador també va introduir mànigues fins a les polseres que permetien a les dones mostrar les seves joies. Als anys seixanta, amb la introducció gradual de les dones a la indústria laboral, Balenciaga va tenir la idea de donar comoditat, llibertat i funcionalitat a les dones que vestia. Va promoure vestits fluixos i còmodes que contrastaven amb les siluetes adequades del dia.

5. Alexander McQueen

Artista austríac, mestre del simbolisme i fundador del moviment de secessió vienès, Gustav Klimt va establir les bases de la història de l’art del segle XX. Les seves pintures i estètica artística han inspirat durant molt de temps els dissenyadors de moda. Altres com Aquilano Rimondi, L'Rene Scott i Christian Dior, el dissenyador que va fer referència directa a Klimt va ser Alexander McQueen. A la col·lecció Resort Primavera / Estiu 2013, ha dissenyat peces úniques que semblen inspirades en l’obra de l’artista. Si mireu un vestit negre fluït amb un patró daurat que es repeteix a la part superior, us pot venir al cap una imatge específica. McQueen ha utilitzat dissenys abstractes, geomètrics i de mosaic en tons daurat i bronze, incorporant-los als seus dissenys.

El 1905, Gustav Klimt va pintar el quadre "L'abraçada", representant una parella atrapada en una suau abraçada, que es va convertir en un símbol de l'amor. L’artista austríac és conegut per les seves pintures d’or, així com per la combinació perfecta d’abstracció i color presents en aquestes obres. Tots els mosaics tenen tons daurats rics amb adorns calidoscòpics o naturals que han tingut una gran influència en la moda. Aquesta pintura crida l’atenció per les contrastades formes geomètriques entre la roba dels dos amants. La roba masculina es compon de quadrats negres, blancs i grisos, mentre que el vestit femení està decorat amb cercles ovalats i motius florals. Per tant, Klimt il·lustra magistralment la diferència entre masculinitat i feminitat. Alexander va adoptar alguna cosa similar per a la seva roba.

6. Christian Dior

Fundador de l’impressionisme i un dels més grans pintors francesos de la història de l’art, Claude Monet va deixar un gran llegat artístic. Utilitzant la seva llar i jardí a Giverny per inspirar-se, Monet va capturar el paisatge natural en les seves pintures. En particular, a la pintura "El jardí de l'artista a Giverny" va aconseguir manipular el paisatge natural d'acord amb les seves necessitats. El contrast de la pista de terra marró amb el color vibrant de les flors complementa l’escena. El famós impressionista sovint escollia la flor de l’iris pel seu color porpra per crear l’efecte d’un sol brillant. Aquesta pintura és plena de vida mentre les flors floreixen i saluden, abraçant la primavera. Pètals de rosa i lila, iris i gessamí formen part d’un paradís acolorit representat sobre tela blanca.

En la mateixa línia, Christian Dior, pioner de la moda francesa, va deixar una petjada enorme en el món de la moda que encara es nota avui. El 1949 va dissenyar una col·lecció d’alta costura per a la temporada primavera / estiu. Un dels aspectes més destacats d’aquesta exposició va ser l’emblemàtic vestit Dior, completament brodat amb pètals de flors en diversos tons de rosa i porpra. Dior va il·lustrar perfectament els dos mons de l’art i la moda i va imitar l’estètica de Monet amb aquest vestit funcional. Va passar molt de temps al camp, pintant les seves col·leccions al seu jardí de Granville, com va fer Monet. Així, va definir l'elegant estil Dior incorporant la paleta de colors de Monet i els patrons florals a les seves creacions.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian va ser un dels primers artistes a crear art abstracte al segle XX. Nascut als Països Baixos el 1872, va fundar tot un moviment artístic anomenat De Stijl. L’objectiu del moviment era unir l’art i la vida contemporània. Aquest estil, també conegut com a neoplasticisme, era una forma d’art abstracte en què només es combinava l’ús de principis geomètrics i colors primaris com el vermell, el blau i el groc amb els neutres (negre, gris i blanc). L’estil innovador de Pete de principis del segle XXI va obligar els dissenyadors de moda a reproduir aquest pur tipus d’art abstracte. El millor exemple d’aquest estil de pintura és Composició amb colors vermell, blau i groc.

Amant de l'art, el dissenyador de moda francès Yves Saint Laurent va incorporar les pintures de Mondrian a les seves creacions d'alta costura. Es va inspirar per primera vegada en l’obra de Pete quan va llegir un llibre sobre la vida de l’artista que la seva mare li va regalar per Nadal. Inspirat per les línies geomètriques i els colors atrevits de l’artista, va presentar sis vestits de còctel que celebraven el seu estil icònic i l’època dels seixanta en general. Cadascun dels vestits de Mondrian era lleugerament diferent, però tots compartien una forma simple en línia A i una longitud de genoll sense mànigues perfecta per a cada tipus de cos.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, nascuda el 1890 en una família aristocràtica de Roma, aviat va expressar el seu amor pel món de la moda. Va començar a desenvolupar el seu estil revolucionari, inspirat en el futurisme, el dadà i el surrealisme. A mesura que avançava la seva carrera, va interactuar amb surrealistes i dadaistes tan famosos com Salvador Dalí, Man Ray, Marcel Duchamp i Jean Cocteau. Fins i tot va col·laborar amb l’artista espanyol Salvador Dalí.

Una de les col·laboracions més importants de la història de la moda va ser la col·laboració entre Dali i Elsa Schiaparelli. Aquest vestit es va crear amb Salvador Dalí com a part de la col·lecció de circ de Schiaparelli a l’estiu de 1938. El vestit fa referència a la pintura de Dalí, en què representava dones amb proporcions corporals distorsionades.

Per als artistes surrealistes, la recerca de la dona ideal estava condemnada al fracàs, ja que l’ideal només existia en la seva imaginació, no en la realitat. Tot i això, la intenció de Dalí no era retratar les dones de manera realista, de manera que els seus cossos no són gens estètics. Schiaparelli volia experimentar amb aquest joc d’amagar i revelar el cos, creant la il·lusió de vulnerabilitat i inseguretat. La bata amb la il·lusió de llàgrimes estava feta de crep de seda blau pàl·lid, en homenatge a Salvador i les seves dones desproporcionades.

9. Gianni Versace

L’època del Pop Art va ser probablement el període més influent per a dissenyadors de moda i artistes de la història de l’art. Andy Warhol va ser pioner en la barreja de cultura pop i alta moda, convertint-lo en un símbol icònic del moviment de l'art pop. Als anys seixanta, Warhol va començar a practicar la seva tècnica de signatura coneguda com a serigrafia.

Una de les seves obres més antigues i, sens dubte, les més famoses va ser el díptic de Marilyn. Per a aquesta peça, es va inspirar no només en la cultura popular, sinó també en la història de l'art i en els artistes expressionistes abstractes. Andy va capturar els dos mons de Marilyn Monroe, la vida social d’una estrella de Hollywood i la tràgica realitat de Norma Jeane, una dona que lluitava amb la depressió i l’addicció. El díptic intensifica la vibració a l'esquerra, mentre que a la dreta desapareix en la foscor i l'obscuritat. En un intent de representar una societat de consum i un materialisme, va retratar els individus com a productes en lloc de persones.

El dissenyador italià Gianni Versace va mantenir una llarga amistat amb Andy Warhol. Els dos homes estaven fascinats per la cultura popular. Per honorar Warhol, Versace li va dedicar la seva col·lecció Primavera / Estiu del 1991. Un dels vestits presentava estampats de Warhol amb Marilyn Monroe. Va incorporar els vibrants retrats de seda de Marilyn i James Dean dels anys seixanta a faldilles i vestits llargs.

I a continuació del tema de la moda, la bellesa i les idees extraordinàries, llegiu també sobre com els artistes moderns han convertit el maquillatge en una autèntica obra d'art.