Taula de continguts:
Vídeo: Per què, a causa del barret i la natura morta, la comissió no va voler acceptar el famós quadre de Caravaggio "Sopar a Emaús"
2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00
El sopar a Emaús va ser creat per Caravaggio el 1601. La interpretació no estàndard de la trama va conduir a una bona quantitat de crítiques a l'artista. I els motius del rebuig s’amaguen al barret de l’hostaler i al bodegó de fruites. Va ser amb ells quan van començar tots els problemes amb la imatge.
El sopar a Emaús és un quadre de 1601 de Caravaggio, el famós mestre del barroc italià. El client de l'obra era l'aristòcrata romà i amant de l'antiguitat Chiriaco Mattei, germà del cardenal Girolamo Mattei.
Prehistòria de la creació
La catedral de Trento, creada per combatre l'amenaça del protestantisme, va declarar el 1563 que a través de les escenes religioses representades a les pintures sobre l'expiació, les persones poden aprendre bones intencions. És important que els miracles fets per Déu estiguin oberts als ulls dels creients, de manera que estimin Déu i desenvolupin la pietat.
La pintura va anar precedida d’un moment en què l’església va sentir la necessitat de transmetre el seu missatge als creients mitjançant l’art religiós i va exigir als artistes una claredat especial de presentació. Per complir aquesta directiva, els antics mestres havien de ser realistes per sobre de tot. Caravaggio va ser un dels primers d’una sèrie d’aquests artistes: un fervent realista, la seva directitud i espontaneïtat van entrar en complet contrast amb la refinada elegància de finals del segle XVI i el manierisme.
Parcel · la
El sopar a Emaús és un tema popular de l’art cristià i és l’episodi culminant de la famosa història sobre l’aparició de Crist a dos deixebles el tercer dia després de la Crucifixió. Els apòstols conviden el desconegut a compartir un àpat a casa amb ells. El van conèixer i, per descomptat, no saben qui és realment. Els apòstols comprenen la veritable identitat del desconegut secret quan beneeix i trenca el pa. La comprensió arriba: el misteriós hoste és, de fet, el Crist ressuscitat. “I es van acostar al poble al qual anaven; i els va mostrar l'aparença que volia anar més enllà. Però el van retenir dient: quedeu-vos amb nosaltres, perquè el dia ja ha arribat cap al vespre. I va entrar i es va quedar amb ells. I quan va menjar amb ells, va agafar pa, va beneir i el va trencar i els el va donar. Llavors els seus ulls es van obrir i el van reconèixer. Però es va tornar invisible per a ells. I es van dir mútuament: ¿El nostre cor no estava cremant en nosaltres quan ens va parlar durant el camí i quan ens va explicar les Escriptures? Maria Magdalena va reconèixer Crist per la seva veu; Thomas - per les ferides; els deixebles que van convidar Crist a la casa d’Emmaús, després de trencar el pa. Sant Lluc anomena Cleòfo a un dels apòstols, però no identifica l’altre. Darrere dels herois hi ha un hostaler perplex.
Artesania de Caravaggio
Caravaggio va mostrar a la tela un moment concret de la trama, quan els dos apòstols es van adonar que assistien a un miracle d’un poder inimaginable. L’artista semblava haver aturat el moment, permetent al públic reflexionar sobre el miracle, experimentar la sensació de xoc i sorpresa que van experimentar els dos apòstols. La mà estesa de l’apòstol a la dreta de l’espectador sembla tocar el llenç mateix.. Està dirigit a qui mira la tela. Aquest gest sembla dir: “Mira! Aquest miracle, va passar un miracle ". El colze de l’altre apòstol sembla que realment va arrencar la tela. Aquesta idea es va aconseguir de manera brillant: Caravaggio va esquinçar la jaqueta que portava l'heroi, exactament al colze. Finalment, la cistella de fruites, precàriament situada a la vora de la taula, sembla que cau i es trenca al terra amb la menor sacsejada. Així, Caravaggio trenca la barrera tradicional entre el que és real i el que es pinta amb el seu pinzell i transforma una escena que va passar en el passat en el que està passant ara, davant dels nostres ulls. Caravaggio dóna a les seves pintures religioses una sensació de fort drama. utilitzant hàbilment la tècnica de la llum i l’ombra (clarobscur). "Mai va treure les seves figures a la llum", va escriure Giovanni Pietro Bellori, teòric de l'art del segle XVII, "però les va posar a l'atmosfera marró fosc d'una habitació tancada". La sala tancada esmentada per Bellori és una característica que es pot veure en moltes de les obres de Caravaggio. La pintura està feta a mida completa. Com sol passar a l'obra de Caravaggio, els herois tenen trets andrògins (n'hi ha prou per recordar El llaüt i Bacus). El més destacat no es va estalviar i Crist, que té trets clarament femenins.
Crítica
Per a molts, el magistral realisme de Caravaggio ha anat massa lluny. El 1602 va pintar Sant Mateu per a l’església de San Luigi de Francesi de Roma. Representava un sant descalç assegut amb les cames creuades de manera que semblava treure una cama del quadre. Segons el teòric Bellory, la comissió va rebutjar la imatge perquè els sacerdots veien indecència i desvergonyiment al llenç. És clar que els sacerdots no volien que els caigués un peu nu brut sobre ells, encara que només fos un llenç. Pel veredicte de la comissió, Caravaggio havia de preparar una segona versió de la trama. I ho va fer.
El sopar a Emaús ha rebut crítiques similars, sobretot de Bellory. “A més del caràcter rústic dels dos apòstols i del Senyor, que es mostra jove i sense barba, Caravaggio mostra a l’hostaler servint-lo amb un barret al cap. A la taula hi ha una cistella de raïm, figues i magranes fora de temporada ". De fet, la Resurrecció se celebra a la primavera per Setmana Santa i Caravaggio va triar els fruits de la tardor. Per a Bellory, el fet que l'hostaler serveixi Crist amb un barret al cap va ser la manifestació més alta de la grolleria. I les seves crítiques a la cistella de fruites que es mostren "fora de temporada" demostren un fort desig d'una exactitud completa en la descripció de les històries de l'Evangeli.
La manca de decència és una crítica freqüent contra l’obra de Caravaggio. I el seu costum de mostrar als apòstols bruts, desiguals i descarnats sempre podria provocar un insult als representants de l’església.
Natura morta
Pel que fa a la natura morta, l’elecció de les fruites sobre la taula és sens dubte deliberada. En combinació amb altres objectes de la taula, té un significat simbòlic. La poma que es podreix aquí és un símbol de la temptació i la caiguda de l’home. Un raig de llum reflectit a les estovalles a través d’un recipient de vidre és un atribut de la Nativitat del Santíssim Theotokos. El pa és fàcil d’identificar com a símbol del cos de Crist.
Un ocell fregit és un símbol de la mort, però la magrana és un atribut de la Resurrecció. Finalment, el sacrifici de Crist està simbolitzat pel raïm, cosa que Bellory critica. El raïm és la font del vi, que és un símbol de la sang de Crist per a l’eucaristia catòlica romana. En conseqüència, Caravaggio va utilitzar una cistella de fruites per emfatitzar el significat de la trama. Caravaggio va escriure una altra versió de Sopar el 1606. A tall de comparació, els gestos de les figures de la segona variant són molt més restringits.
Recomanat:
Com a artista autodidacta, es va convertir en un famós mestre de la "natura morta del vi", amb la idea d'una nova tècnica en aquarel·la
Ho creguis o no, el que veuràs ara no són en absolut fotografies en color, com pot semblar a primera vista, sinó impressionants aquarel·les de l'artista autodidacte nord-americà Eric Christensen. Veient la seva obra, enteneu més que mai que no hi ha límit a les capacitats humanes. No obstant això, els crítics d'art no sempre donen suport a la feina d'aquest mestre, ja que el consideren només un "redibuixador". Què penses?
Per què el client no va acceptar la primera versió de Sant Mateu i l’àngel de Caravaggio, i què ha canviat en el remake?
Miquel Àngel Merisi da Caravaggio va néixer mig segle després de la contrareforma de Luther King. Diversos anys abans que naixés l’artista, l’Església catòlica va convocar la sessió final del Concili de Trento i va establir noves regles per a la imatgeria religiosa. Quan s’adreça als sants i s’utilitzen imatges sagrades, cal eliminar totes les supersticions, abolir tota l’essència bruta. Tot i això, la seva obra "Sant Mateu i l'àngel" no encaixava en els cànons de les noves regles. Des de
Plats vestits per sopar. Projecte "Vestit per sopar" de Marianne van Ooij
La tradició de disfressar-se per sopar gairebé no ha sobreviscut a la societat moderna. Però antigament es disfressaven per sopar: feien pentinats preciosos, escollien els millors vestits, es posaven joies … I hi havia alguna cosa en aquesta tradició: quelcom aristocràtic. En record d’aquests temps, la dissenyadora holandesa Marianne van Ooij ha creat un conjunt de ceràmica anomenat "Vestit per sopar"
Hi havia un noi, o de què discutien des de fa molts anys, mirant el quadre de Chardin "Oració abans de sopar"
Se l’anomenava “l’artista dels animals i de les fruites”. Va tenir una influència significativa en Henri Matisse i Paul Cézanne. En l'art, aquest artista buscava la naturalitat i la humanitat en lloc de l'estil rococó oficial. Tot això tracta de Jean Baptiste Simeon Chardin i el seu quadre "Oració abans de sopar". Quina és la principal disputa dels crítics d'art sobre aquesta imatge?
Per la qual cosa Veronese va ser jutjat per la Inquisició, l'autor del quadre que representa l'últim sopar
Paolo Cagliari (sobrenomenat Veronese pels seus contemporanis) és un dels millors mestres de la pintura de Venècia al segle XVI. Hereu de l’escola clàssica de Giovanni Bellini i Mantegna, en la seva obra tendeix a l’entreteniment i el manierisme (tendència que va precedir el barroc). La festa a la casa de Levi va ser l’últim d’una sèrie de pintures monumentals per a banquets de Veronese, que incloïen El matrimoni a Canà de Galilea (1563, Louvre, París) i La festa del fariseu Simó (1570. Milà, galeria Brera)