10 pel·lícules reconegudes com la millor adaptació cinematogràfica de clàssics russos

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

Tot i que l’adaptació dels clàssics sempre és una idea força arriscada, els directors solen adoptar la plasmació d’una idea ambiciosa. Algunes d’aquestes obres, de fet, resulten ser una interpretació digna dels clàssics, una manera d’observar de nou una trama molt estudiada i uns herois familiars. L’actuació dels artistes i les imatges que encarnen a la pantalla del televisor sempre provoquen discussions acalorades, de manera que podeu estar segur que l’adaptació dels clàssics no passarà desapercebuda, però el públic està lluny de valer la pena prestar atenció a tot. Hem recollit les obres més dignes.

Quiet Don (director Sergei Ursulyak)

No hauríeu de comparar l’adaptació moderna amb la soviètica, són interpretacions completament diferents de la novel·la. Potser el principal avantatge de l’adaptació cinematogràfica moderna és la demostració de la vida quotidiana, dels esdeveniments, de les persones sense embelliment, el més a prop possible de la realitat.

No hi ha grans noms d’actors en aquesta pel·lícula, i això és el millor. Tot s'ha fet perquè els actors amb un aspecte o un carisma massa brillants no cridin l'atenció sobre ells mateixos, deixant el més important al centre: la trama en si, el curs de la vida i els esdeveniments històrics. Aquesta també és, potser, una de les diferències fonamentals respecte a l'antic "Don tranquil", que tenia molts noms brillants. Sí, no tot el públic va apreciar aquest enfocament, alguns dels jocs dels actors i els mateixos actors semblaven rústics, però és aquesta senzillesa i sinceritat que amaga la força de la gent, el seu caràcter i ànima.

Un espectador atent notarà com el temps més brut de la història del país es contrasta amb un poble sincer i pur, que, malgrat totes les dificultats, conserva la seva originalitat i sinceritat de sentiments. Tot això queda exposat a la pel·lícula, sense pretensions descabellades i falsos valors i emocions de plantilla.

Guerra i pau (dirigida per Tom Harper)

Qualsevol intent d’ajustar la monumental obra de Leo Tolstoi a les pantalles fa que es perdin molts detalls que, mentrestant, esdevenen importants. Aquest és el segon intent de la Força Aèria de filmar Tolstoi, si la primera sèrie (20 episodis) es va estrenar el 1972, la segona adaptació cinematogràfica consta de 6 episodis. Aquesta és la sèrie més cara de la companyia, ja que el rodatge del primer episodi només va costar 2 milions de lliures esterlines. No és d’estranyar, al cap i a la fi, que es tracti de Lev Nikolaevich, que significa vestits cars, rodatge a Sant Petersburg, un enorme equip.

En general, les ressenyes sobre la imatge són positives, tot i que sovint entre les mancances s’anomena l’aspecte excessivament anglès dels actors, la desviació de les línies argumentals (sí, és possible que l’espectador no perdoni la reescriptura de Tolstoi). A més, l'aprofundiment d'algunes línies argumentals va portar al fet que Anatoly i Helen Kuragin es trobessin al mateix llit en una abraçada completament no relacionada. Tot i que el director necessitava probablement aquest detall per mostrar el caràcter moral de la família en el seu conjunt, sens dubte hi ha un augment deliberat del grau de sensualitat a la pel·lícula.

Per a la majoria dels amants de la literatura, l’adaptació cinematogràfica es convertirà en una obra independent basada en la llegendària novel·la russa. Però els britànics van eliminar sense ambigüitats de la trama tot allò que parla d’originalitat russa i de psicologisme profund. Tot i que, és cert, per què entrar en alguna cosa que només sigui comprensible per a una persona russa?

Anna Karenina (dirigida per Karen Shakhnazarov)

Per una banda, la pel·lícula, composta de vuit episodis, es va filmar segons els estàndards tradicionalment russos. Una vida mesurada, amb herois vulnerables, malenconiosos i reflexius. No obstant això, el treball d’aquest director difereix dels seus predecessors en profunditat i en una divulgació diferent del tema.

Des dels primers minuts de la pel·lícula, enteneu que tot aquí està impregnat del dolor i l’angoixa del personatge principal, tot i que el seu comportament no el delata directament. El panorama en si és ombrívol, com si fosqueix, l’ambient del local és una mica aterridor. Es tracta d’apartaments i cases amb habitacions enormes, on les portes amb obertures que porten a una alçada llunyana condueixen, els mobles semblen uns cops alts i freds de tot arreu. Al mateix temps, l’obra dels actors és tan sensual i sincera que sembla que estigui tancada en aquest temible seguici. Aquest efecte es veu millorat per la música que s’utilitza a la pel·lícula.

A més, els fets que es desenvolupen a la pantalla tenen lloc trenta anys després de la mort d’Anna Karenina; durant la guerra rus-japonesa en un hospital militar, només s’intensifiquen les constants sensacions de dolor i por.

No té cap sentit veure una pel·lícula per acceptar la trama, aquí no hi ha una trama clarament construïda, el principal èmfasi es posa en els sentiments i les emocions dels personatges principals, en les seves conclusions i conclusions. Ells, com en tots els clàssics russos, són molt contradictoris, profunds i sovint incomprensibles per als profans, no susceptibles a la lògica estàndard.

Dimonis (director Vladimir Khotinenko)

L’adaptació cinematogràfica de la novel·la de Dostoievski es reprodueix amb molta precisió, a jutjar pel títol. Tot el que passa recorda algun tipus de bogeria, les imatges i les circumstàncies canvien amb un frenètic dinamisme, tot el temps que s’envien a situacions passades, la sensació que hi ha horror a la pantalla no deixa. Hom té la sensació que tot el que passa no només a la pantalla, sinó també a la vida, és una mena d’horror i tothom al voltant està posseït per dimonis. I és en les seves accions que l’autèntica essència de tot el que passa.

Els actors (sobretot joves talents) van jugar amb molta il·lusió, sense oblidar d’acompanyar cada acció amb certa bogeria.

White Guard (dirigida per Sergei Snezhkin)

És bastant difícil competir amb la resta d’adaptacions cinematogràfiques de les obres de Mikhail Bulgakov, ja que als directors els encanta treballar la seva obra. Però Snezhkin va presentar una nova visió, mostrant que la seva pel·lícula no és pitjor que les altres, una altra obra digna que hauria d’atraure als coneixedors dels clàssics.

Snezhkin captura els nobles que quedaven de la Rússia tsarista, però tan ràpidament es van dissoldre en el corrent del filisteisme i del sistema polític canviant. Els oficials, que una vegada van ser la personificació de l’honor i la dignitat, es queden cara a cara amb els propers canvis, la descortesa i la falta d’escrúpols, perquè són traïts pels seus propis col·legues d’alt rang. L’encarnació de l’antiga Rússia i les seves millors característiques: la Guàrdia Blanca no està exempta de traïdors. L'heroi, interpretat per Bondarchuk, corre ràpidament al costat dels bolxevics, després d'haver entès d'on bufa el vent, probablement sigui una d'aquestes persones capaces d'adaptar-se i adaptar-se a qualsevol circumstància.

A part, cal dir sobre el repartiment, Khabensky, Porechenkov, Garmash: amb ànima i disposició, amb coneixement de la matèria, revelen imatges, donant-los carisma i caràcter. Val la pena retre homenatge al director, no només actua segons la trama, sinó que revela alguns detalls tan subtils i mesquins que donen una jugositat especial. El drama deixa pas a la ironia, la comèdia a la tragèdia, ho pots trobar tot en aquesta pel·lícula. Tota la pel·lícula no deixa el sentiment d’oposició entre dignitat i abominació, confirmat no només per la trama general, sinó també pels detalls.

Crime and Punishment (dirigida per Aki Kaurismaki)

La interpretació de Dostoievski és força gratuïta i això és, per dir-ho amb moderació. Així, els esdeveniments es van desenvolupar a Hèlsinki als anys 80. El protagonista Anti és insòlit, modest, sobri, tranquil, tot i que treballa de carnisser en un escorxador i experimenta la pèrdua de la seva núvia. El conductor que va cometre l’accident mortal és el culpable de la mort de la seva estimada i s’escapa del càstig.

El component detectivesc, els turments del protagonista després de l'assassinat d'un home de negocis ric no són els components principals de la pel·lícula, aquesta és potser la diferència més significativa amb el llibre. La semblança, a més del turment de la consciència de l'heroi, també es troba en el fet que Anti és una persona corrent que les circumstàncies es veuen obligades a baixar fins al fons. Es converteix en un element residual que el sistema ha trencat i absorbit.

Els freds i calculadors protagonistes de la pel·lícula, al final, resulten ser les principals víctimes, vivint en captivitat dels seus propis sentiments, experiències i dolor.

Els germans Karamazov (dirigida per Yuri Moroz)

El director va treballar a la pel·lícula durant diversos anys i els actors, després de finalitzar el rodatge, van admetre que aquest treball els va canviar no només com a professionals, sinó que també va convertir les seves actituds personals, idees sobre el bé i el mal, sobre la religió i la moral. Acostumar-se al paper, sentir totes les experiències del teu heroi, encara que el seu punt de vista no s’acosti a la seva pròpia actitud, és obra d’un actor. Però una cosa és acostumar-se al paper dels contemporanis i una altra molt diferent: els herois creats pel gran Dostoievski i fins i tot viure en el marc de la seva novel·la més misteriosa i complexa.

La relació de Fedor amb els seus fills és molt complexa, cadascun d’ells mira el que està passant a través del prisma del seu propi ego, interessos i punt de vista. Cadascun dels germans és la meditació de Dostoievski sobre l'amor per la llibertat, la moral i la religió.

L'adaptació cinematogràfica afirma ser una transferència completament realista tant de la trama com de les imatges de l'actor, que van poder acostumar-se amb precisió al paper i sentir-les.

Doctor Zhivago (dirigida per Alexander Proshkin)

Tot i que la crítica diu que la pel·lícula és una obra independent, aquesta és fins ara l'única adaptació cinematogràfica nacional de l'obra de Pasternak. Demostració de la història del país a través del prisma d’una personalitat: un nen, un home, que es va quedar sol des de petit. A mesura que es fa gran i s’educa, arriba la guerra civil al país i després la Segona Guerra Mundial.

No s’ha d’intentar buscar una semblança completa amb la novel·la, a més, l’adaptació cinematogràfica té el mateix destí difícil que la pròpia obra. Abans del llançament oficial, ja s’havia distribuït per les pantalles una versió pirata i el canal que comprava els drets d’emissió incloïa tants anuncis que causava molta indignació als espectadors. Per aquests i altres motius, la sèrie no es va apreciar pel seu veritable valor, tot i que sens dubte mereix atenció i pot donar-li molt plaer de visualització.

Els guionistes van complementar la novel·la amb diàlegs, que de fet no existien, per tal de transmetre imatges i esdeveniments amb més detall, per posar els accents adequats. Malgrat que els herois van resultar més terrestres i més durs, i Zhivago es va convertir en un famós poeta, això va ajudar a transmetre amb més claredat la gravetat de la trama.

Pares i fills (director Avdotya Smirnova)

La pel·lícula agradarà a aquells que no prefereixen conservar l’argument i els diàlegs del clàssic en l’adaptació cinematogràfica. Aquí es fa amb molta cura i respecte al treball. Com en un assaig, escrit amb excel·lents notes, el tema de la novel·la i el conflicte entre pares i fills es revelen profundament i ricament. La interpretació, el decorat i el vestuari no plantegen dubtes i no deixen una sensació de "disfressa", tot és harmònic, uniforme i com hauria de ser.

Tot i que la trama és familiar per a tothom i que el director no se’n desvia, la pel·lícula va aconseguir mantenir una certa tensió, un argument entre els dos personatges principals, argumentant a la recerca de la veritat.

Taras Bulba (dirigida per J. Lee Thompson)

Cal assenyalar de seguida que aquesta adaptació cinematogràfica no pretén ser res que valgui la pena, sinó que és una manera de mirar de manera diferent els clàssics russos, a través del prisma del sistema de valors americà. Bé, de què pot passar si rodes una pel·lícula sobre el que va passar en un altre país i en un altre moment? Bé, així va funcionar. A més, donat el fet que els nord-americans se centren en l'acció i no es preocupen massa pels detalls.

La trama és molt diferent de l’original, i Taras Bulba fins i tot exteriorment és molt diferent del prototip del seu llibre. A la pantalla, és intel·ligent, valent i gens autoritari. Per no parlar del fet que no s’assembla gens a la cara de la nacionalitat eslava.

I sí, Kalinka-Malinka, óssos, tres cavalls, tot això apareix a la pel·lícula en la quantitat adequada. I com no pot sortir en rus.

Malgrat que encara és millor llegir els clàssics, en lloc de veure'ls, les adaptacions de pel·lícules poden donar estat d'ànim i records i fer-vos pensar en l'etern. I també és molt probable que la mateixa mà arribi al llibre, perquè sempre tira per comparar certs detalls que s’obliden.

Els clàssics del cinema soviètic no només van establir les bases per a aquesta direcció de l’art a Rússia, sinó que també van afrontar altres tasques, per exemple, el cinema havia de canviar la imatge de les mares solteres, convertint-les en persones més respectades.