11 de les peces d’art nord-americanes més cares venudes en subhasta en els darrers deu anys

2024 Autora: Richard Flannagan | [email protected]. Última modificació: 2023-12-16 00:00

La primera dècada del segle XXI va resultar favorable per a la indústria de l’art: la pintura més cara del món es va vendre en una subhasta per una suma fabulosa, l’interès cada vegada més gran per l’art dels pobles i minories indígenes. ja que la influència duradora de les xarxes socials en la perspectiva estètica va fer la seva feina, jugant un dels papers principals. L’art americà no va ser una excepció i algunes de les obres mestres més valuoses dels Estats Units van passar de mà en mà, establint nous rècords mundials en les subhastes.

Al segle XX es va produir una explosió de creativitat i innovació en l'art americà, reflectida en les onze obres mestres que s'enumeren aquí. Tot i que alguns s’han allotjat als departaments d’art contemporani de les principals cases de subhastes, cadascun d’ells ha contribuït a la reputació i l’èxit de l’art americà en general.

1. Norman Rockwell

Creada originalment com a portada del Saturday Evening Post, l'escena del vestidor de Norman Rockwell es va convertir aviat en una icona de culte. Al llarg de mitjan segle XX, les prolífiques il·lustracions de Norman van contribuir a donar forma a la identitat nacional i, com un dels equips de beisbol de la Lliga Major més antiga i estimada del país, els Red Sox de Boston van ser una manera infal·lible de tocar el cor fins i tot dels més durs dels nord-americans.

Aquest quadre que representa jugadors de beisbol reconeguts i publicat durant la retirada de la llegenda del beisbol Ted Williams encara és rellevant en l'actualitat, essent considerat un quadre atemporal. La pintura representa el novell que evoca emocions contradictòries, ja que la parafernàlia dels Mitges Vermelles representa una sensació de triomf i glòria, mentre que el incòmode nouvingut no pot evitar causar ansietat i fins i tot vergonya. La profunda resposta emocional generada per la imatge aparentment senzilla és, sens dubte, el motiu pel qual aquest quadre es va subhastar el 2014 per uns sorprenents 22 milions de dòlars.

2. Edward Hopper

Un dels artistes més importants i influents del segle XX, Edward Hopper es va distingir dels seus contemporanis en capturar escenes de la vida quotidiana americana amb una honestedat emocional però flagrant. Això es concreta en The Wind Wind Over Weehawken.

Tot i la manca de dramatisme o de bellesa evident, la pintura està carregada de tensió i emoció, sobretot com a resultat del signe "En venda", que pot significar moviment i progressió cap endavant, però que implica igualment dificultat i lluita, provocant sentiments ambigus. El 2013, aquesta obra es va vendre a Christie's per quaranta-un milions de dòlars.

3. Geòrgia O'Keeffe

Inspirant-se constantment en el món vegetal, Georgia O'Keeffe ha pres la naturalesa americana a una escala completament nova. En lloc de paisatges expansius i àmplies vistes, va escollir petits rovells o fulles individuals com a tema de les seves pintures, esperant que fins i tot els neoyorquins ocupats tinguessin l’oportunitat d’apreciar la bellesa del món natural.

Una de les flors que apareix en moltes de les pintures d’O’Keeffe és l’herba de Jimson (droga comuna), una planta verinosa que va descobrir a prop de la seva llar de Nou Mèxic. Les seves primeres pintures, que representen una delicada però verinosa flor, es transformen en perilloses en bellesa i congelen l’efímer i el fan immortal.

Malgrat el subtext íntim atribuït sovint a les seves pintures florals, O'Keeffe va insistir que eren un homenatge a la bellesa de la natura i que aquestes interpretacions eren el resultat de les projeccions pròpies de la crítica, no de les seves intencions”. sorpresa i emoció del públic en el mateix moment en què es va vendre per gairebé quaranta-cinc milions de dòlars, cosa que la va convertir en l'obra més cara d'una dona artista.

4. Mark Rothko

Tot i que a primera vista sembla tan senzill que qualsevol persona amb un pinzell i una tela podria pintar el número 10, un dels quadres més famosos de Mark Rothko. De fet, aquesta obra representa l’habilitat de l’artista tant en instruments com en tècniques. Els olis semblen brillar amb una resplendor sobrenatural que dóna energia i moviment a la pintura. La paleta de colors evoca associacions directes amb la calor, el foc i la passió, i les zones on el groc es troba amb el taronja i el vermell es converteix en negre impregnades d’un sentit obsessiu del desconegut.

Qui sap què va motivar un dels licitadors anònims de Christie's, que sense lamentar-se es va separar d'una impressionant suma de vuitanta-dos milions de dòlars, després d'haver adquirit el "número 10" per a la seva pròpia col·lecció.

5. Andy Warhol

Després de retratar a personatges de la talla de Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor i Marlon Brando, era gairebé inevitable que l’artista pop acudís al rei del rock per completar el seu panteó d’icones americanes. La fascinació de Warhol per la cultura popular va fer d’Elvis Presley el tema ideal per a una de les seves característiques serigrafies. La superposició d’imatges monocromes semblants a les pel·lícules i la idea d’una pantalla de plata reflectida en un fons polit porten l’espectador al món de Hollywood dels anys cinquanta per a una experiència inoblidable. Aquesta aparença és tan poderosa que es va comprar a Christie's el 2014 per una enorme quantitat de 82 milions de dòlars.

6. Barnett Newman

Entre 1958 i 1966, Barnett Newman (Newman) va crear una sèrie de pigments negres sobre llenços oberts. La seva simplicitat i interacció simbòlica entre llum i foscor encarnen la sensació de solemnitat i immensitat generada per la pèrdua del seu germà per part de l’artista. Newman va traduir el seu dolor i la seva preocupació per la mortalitat en obres d’art que són aspres i tenses, però alhora sofisticades i harmonioses.

La referència al foc al títol convida l’espectador a veure el moviment i la passió fins i tot en una paleta lineal i monocroma. La peça sens dubte va encendre un foc al cor d’un licitador anònim que va comprar Black Fire I de Christie’s el 2014 per 84 milions de dòlars.

7. Mark Rothko

"Taronja, vermell, groc": colors com la pintura de Mark Rothko atrauen la vista i les emocions per molts dels mateixos motius que el número 10. La seva paleta de colors càlids sembla emetre llum de l'oli i zones liminals en què es converteix l'ombra. diferents, requereixen una contemplació especial. Tanmateix, a diferència del número 10, aquesta peça desprèn vitalitat i no té cap indici de foscor, que sembla significar el final.

Una infinitat de traços de llum creen una gran varietat de textures, des de gairebé transparents fins a opalescències riques, cosa que confereix a la pintura una impressionant sensació de profunditat. Combinat amb l’enorme extensió del llenç, que fa gairebé 8 metres d’alçada, es crea l’efecte d’envoltar l’espectador en un rastre íntim de calor. És per això que aquesta obra de Rothko es va subhastar a Christie's el 2012 per gairebé vuitanta-set milions de dòlars.

8. Edward Hopper

Chop Suei és sovint considerat el quadre més perfecte d’Edward Hopper pel fet que atrau tots els sentits i convida l’espectador a crear una història en la seva ment. Igual que East Wind over Weehawken, Chop Suei se centra en els moments més tranquils de la vida nord-americana, presentant una escena quotidiana amb pinzellades àmplies i tons apagats.

En lloc del realisme fotogràfic al qual aspiraven molts dels seus companys, aquest estil evoca l’efecte d’un record o d’un somni. L’encantadora i misteriosa escena va establir el rècord de l’obra més cara de Hopper quan es va vendre a Christie’s el 2018 per poc menys de noranta-dos milions de dòlars.

9. Roy Lichtenstein

Molt abans que es vengués a Christie's per noranta-cinc milions de dòlars el 2015, la infermera de Roy Lichtenstein s'ha convertit en una obra icònica d'art nord-americà, que encarna el desafiament de l'art pop a l'art visual tradicional. Prenent un exemple de campanyes publicitàries modernes, còmics i comercials, l’art pop va donar al seu públic un nou objectiu a través del qual era possible interpretar el món que l’envoltava i els missatges que rebien.

El treball de la Infermera conserva la sensació de profunditat i energia generada pel vast camp de punts plantats a mà (en lloc de fabricats a màquina) que conformen el rostre, les mànigues i el fons de la dona. Combinat amb línies i colors atrevits que conformen la resta de la imatge, la pintura queda en algun lloc entre la paròdia, la sinceritat i la ironia.

10. Jean-Michel Basquiat

Després de rebre una còpia de Grey's Anatomy mentre es recuperava d'un accident de trànsit, Jean-Michel Basquiat es va interessar pel cos humà, com demostren les pintures que va crear quan era adult. El crani és una de les imatges més reconeixibles que apareixen regularment a la seva obra, un símbol que construeix un pont entre la vida i la mort.

Un exemple d'això és la seva obra "Sense títol", en què els colors vius i els traços durs i caòtics contrasten amb un crani enfonsat i apagat. Combinant una base científica amb un estil urbà, la pintura encarna el nou enfocament artístic de Basquiat. Això es va mostrar a l'exposició Basquiat, que no es va anomenar com l'única peça exposada, i a Sotheby's, on el quadre es va vendre per cent deu milions de dòlars el 2017.

11. Andy Warhol

Igual que Triple Elvis, Silver Car Crash d’Andy Warhol utilitza una combinació de serigrafia i pintura de plata, però l’efecte és completament diferent. The Silver Crash destaca que, tot i que el cotxe pot ser l’essència de la llibertat, la indústria i el somni americà, també té la capacitat de causar morts, destrucció i desastres.

La representació temptadorament horrible d’un cotxe destrossat, repetida una vegada i una altra, i el llenç inquietant i blanc al costat, van cridar l’atenció de tres col·leccionistes d’art extremadament famosos: Gian Enzo Sperone, Charles Saatchi i Thomas Amman. Un subhastador anònim de Sotheby's va comprar el quadre el 2013 per cent cinc milions de dòlars, el preu més alt que s'ha pagat mai per Warhol.

Continuació del tema - 10 delicioses pintures de paisatges, que carreguen l’espectador amb l’energia “sublim” més real i donen un mar de tot tipus d’emocions.